B’z 8th Album『LOOSE』全曲レビュー｜頑張りすぎて疲れた人のための“肩の力が抜ける一枚”

UnsplashのRoberto Nicksonが撮影した写真のRoberto Nicksonが撮影したイラスト素材

「ちゃんとしなきゃ」と、力みすぎていた人へ。こわばった心を、音がほどいてくれるアルバム。

ちゃんとしなきゃ。急がなきゃ。弱音なんて、吐いていられない。

気づけば、そうやって自分をきつく締めつけてはいないだろうか。

1995年11月22日に発売された、B’zの8作目のオリジナルアルバム『LOOSE』。

制作集団「B+U+M」を解き、松本孝弘と稲葉浩志の2人が、制作の中心に戻ってつくった最初の1枚だ。B’zで初めて、累計300万枚を超えた作品でもある。

けれど、歌の中にいるのは、胸を張れる主人公ばかりではない。

決断を、つい先延ばしにする。終電に揺られて、ため息をつく。傷つくのが怖くて、深入りを避ける。酒場でぼやいて、明日こそと強がる。

誰にでも覚えのある、格好のつかない姿だ。

このアルバムは、その格好のつかなさを、いちばん気持ちいいロックで鳴らしてみせる。ブラスが弾け、ギターが唸り、情けない言葉ほど、身体の奥まで届いてくる。

タイトルの「LOOSE」には、こわばりを「ほどく」という意味と、だらしない「ルーズ」という意味がある。

力を抜いていい。少しルーズなままでも、人はちゃんと前へ進める。13曲を聴き終えるころには、上がりきっていた肩が、すとんと落ちている。

だからこの一枚は、こんな人にこそ、まっすぐ刺さる。

周りのペースに急かされて、自分の答えを出せずにいる人。

悲しいことを、誰にも言わずに飲み込んできた人。

いつのまにか毎日が、小さくまとまってしまった人。

この記事では、『LOOSE』全13曲を、一曲ずつ、感情を切り口にレビューしていく。

張りつめた心を、そっとゆるめてくれる一曲が、きっとこの中に見つかるはずだ。

Release：1995.11.22

※本記事では、B’zのアルバム『LOOSE』に収録された各楽曲について、歌詞の一部を引用しながら、その表現やメッセージについて考察しています。引用にあたっては、著作権法第32条に基づき、正当な範囲での引用を行っております。

【精力的】×『spirit loose』

ギターが鳴る。

「oh yeah」というハスキーな稲葉浩志の声を合図に、粗く、ソリッドなカッティングが刻まれはじめる。

演奏時間は、わずか1分4秒。

鳴っているのは、松本孝弘のエレクトリックギターと、稲葉浩志のシャウトだけ。ベースもドラムも入っていない。

それでも、熱を帯びたブルージーなギターに、シャウトが応酬していくうちに、聴いているこちらのテンションは、ぐんぐんと上がっていく。

ギターとボーカルだけとは思えないほどの熱量と、まるで目の前でその景色が繰り広げられているかのような、生々しい臨場感。

『LOOSE』は、それまでB’zのサウンドを裏で組み立てていた制作集団「B+U+M」を解いて、松本孝弘と稲葉浩志の2人が制作の中心に戻ってつくられた、最初のアルバムだ。

その1曲目に、2人の音しか入っていない曲を置いた。つまりこれは、演奏であると同時に、宣言でもある。

「B’zは2人」という言葉を、説明ではなく、音で言い切ってしまった1分間。

アルバムの扉としてこれ以上ないほど、リアルで、ざらついたロックナンバーだ。

「Let’s get loose」の一声で、こわばりがほどけ、血が巡り出す

この曲には、歌詞カードに載っていない歌詞がある。ブックレットには「作詞：稲葉浩志」とクレジットされているのに、言葉そのものは印刷されていない。

耳を澄ませると、シャウトの合間から、こんな英語が聴こえてくる。

Let’s get loose
（さあ、ゆるめていこう）

everything is alright
（すべて、うまくいってる）

意味を追いかけるための歌詞ではない。メロディに乗せて「歌う」というより、掛け声として、身体に届く言葉だ。

だから、ここでの「loose」は、だらしなさではなく、こわばりを「ほどく」ことだと受け取りたい。

その言葉を、アルバムのいちばん最初に、叫んでしまう。

粗いカッティングが走り出すやいなや、「Let’s get loose」が、意味より先に、音として飛び込んでくる。

読み解こうと構える必要がない。肩の力が抜けたぶんだけ、血が前へ巡っていく。

気づけば、身体が音のほうへ、前のめりになっている。

そして、その「ほどく」という言葉が、このアルバムの成り立ちそのものと重なっている。

B+U+Mは「B’z Unreal Music」の頭文字で、1990年の4thシングル『BE THERE』からクレジットされていた制作チームだ。

明石昌夫らを中心に、当時の緻密で打ち込み主体のB’zサウンドを、2人の外側から支えていた。

その体制は、1994年11月の15thシングル『MOTEL』を最後に解かれる。

理由について松本孝弘は、B’zは2人であるというメリットを有効活用するため、という趣旨を語っている。

B.U.Mという名前は、同じ頃に設立されていたマネジメント事務所に残り、2001年に「VERMILLION」へと発展していく。音づくりの主導権は、この時点で2人の手に戻った。

翌1995年の16thシングル『ねがい』からは、稲葉浩志も編曲に名を連ねるようになる。『LOOSE』は、その新しい体制で最初に完成した1枚だ。

だからこの曲には、飾りがない。制作にまつわる逸話として、当初はレコーディングブースの中に10か所ほどラジカセを置いて録音を試みたが、音が悪くて断念した、という話が残っている。

わざわざ音を粗くしようとしたところに、この曲が目指した「生々しさ」が透けて見える。

ギターは、ブルース進行を土台にした、乾いた金属音を叩きつけるようなカッティング。そこに、稲葉浩志の声が重なっていく。

決まった旋律をなぞるのではなく、その場で崩し、跳ね上げ、叫ぶ。合いの手のように、ときに挑発するように。

最後のシャウトは、まさに圧巻だ。稲葉浩志のボーカリストとしての力量と、ロックのエネルギーが、ここに凝縮されている。

そして、その余韻を断ち切るように、次の『ザ・ルーズ』へ切れ目なくなだれ込む。

ライブで演奏されたのは、1996年のツアー「B’z LIVE-GYM ’96 “Spirit LOOSE”」だけ。ツアーの名前そのものにこの曲の題が刻まれたのだから、当時の2人にとって、この1分間がどれだけ大きな意味を持っていたかがわかる。

『spirit loose』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、何かを新しく始めるとき、余計なものを削ぎ落として身軽になりたいと感じている人だ。

『spirit loose』は、たった1分4秒で、B’zが「2人」であることを、音だけで証明してみせる。

歌詞カードに載らない英語の掛け声と、粗く鳴らされるギター。そこにあるのは、装飾ではなく体温だ。

再生して最初の1分、まだ何も始まっていないようでいて、じつは、いちばん大事なことがもう言い終わっている。

魂を、ゆるめる。縛っていたものを解いて、むき出しのまま鳴らす。曲名は、そのままこの音の説明になっている。

最初の一声で胸の奥の火が煽られたなら、あなたはもう、『LOOSE』という旅の入口に立っている。

【遊び心のある】×『ザ・ルーズ』

『spirit loose』の叫びが消えるか消えないかのうちに、ロックなサウンドが飛び込んでくる。

エッジの立ったギターリフが切り込み、重くうねるベースが地面を揺らし、ドラムがそれを力強く打ち据える。

ロックの土台が固まったところへ、ブラスが一段遅れて差し込まれ、ポップで華やかな色が一気に広がる。

歌い出しは、いきなりサビから。華やかなサウンドと、心地良いメロディと、力強い歌声。一瞬で心を鷲掴みにされるほどの吸引力だ。

ところが、歌われているのは、なんとも締まらない毎日である。就職活動、家庭教師のバイト、足りない単位、家賃、銀行残高、ファミコン。モデルになっているのは、稲葉浩志自身の大学時代だ。

1曲目の『spirit loose』で、「loose」は、こわばりをほどくことだと書いた。

この曲で歌われるのは、その言葉のもうひとつの顔。だらしなさと、先延ばしのほうの「ルーズ」だ。

ほどく「loose」の直後に、だらける「ルーズ」を鳴らす。締まらない毎日を、これ以上ないほど派手な音で歌う。そのギャップを楽しんでいるのが、この曲だ。

「まだちょっとルーズにやらして」は、決められない自分を、前に進ませるための助走だ

頭が痛い、何も決まらない。冒頭のサビは、そんな弱音から始まる。

最初の不調は、悩みではなく頭痛だ。考えより先に、身体が音を上げている。急かすのは、顔の見えない「誰か」。就職の時期という空気そのものかもしれない。

主人公は、決めない、とは言わない。なぜ今すぐなのか、と聞き返し、まだ、ちょっと、と二つ前置きして、ゆるめてくれと頼む。宣言ではなく、交渉だ。

その弱気な交渉を、曲の冒頭に、いちばん強い歌声で置く。弱音が、応援歌のように聞こえてしまう。その仕掛けが、この曲の入口だ。

Aメロに入ると、歌声は急に気だるい表情を見せる。

周りが動き出したことは、わかっている。自分が遅れていることも、わかっている。

それでも動けない。だから今日も、自分の進路は棚に上げて、他人の子どもに勉強を教えている。

教え子の態度は悪い。でも、黙ってこらえる。何も決められていない自分に、人を叱る資格はない。苛立ちの矛先は、教え子ではなく、自分に向いている。

エッジの効いたカッティングと、重くうねるベースが、その情景を粗く描き出していく。

Bメロでは、声が二層になる。

表では、家庭教師が生徒に向かって、先生の顔で話し続けている。その裏で、カタカナで綴られた本音が、コーラスになって漏れている。

カタカナで書かれているのは、感情を乗せない声だからだ。先生の顔をしている間、頭の奥で、平坦に、機械的に、退屈と空腹が繰り返されている。

その中身が、教え子と変わらないのがいい。早く帰りたい、腹が減った。「センセイ」と呼ばれている側も、中身はまだ子どもなのだろう。

なお、表の台詞のほうは、歌詞カードには載っていない。曲の中には、載っていない台詞が2か所と、ラップが1か所あり、どれも稲葉浩志が家庭教師を演じている。

そしてそのまま、流れるようにサビへ入っていく。

単位は足りない。将来は真っ暗。夢を聞かれても、考えたくない、と返すしかない。

そのすぐあとに、こんな自分でも、ここでは「センセイ」と呼ばれている、と続く。自嘲だが、それだけではない。

将来のどこにも居場所がない中で、ここだけは自分を必要としてくれる。ルーズなままでいられる場所が、ひとつだけある。それがこの一行の意味だろう。

力強く歌われるのは、後ろ向きな言葉だ。それなのに、晴れやかなサウンドとメロディが、その状況の中で主人公の内に湧き上がる、沸々としたエネルギーを、より鮮やかに感じさせてくれる。

ここに、稲葉浩志の実体験が重なる。横浜国立大学教育学部の、中学校教員養成課程（数学）。在学中は家庭教師のほか、サンドイッチ屋や惣菜屋でもアルバイトをしていた。教育実習では、髪を切ることを拒んで実習を辞めた、という話も残っている。

だらしないのではない。決められたレールに、まだ乗りたくないのだ。

2番では、彼女といたい、残高が寂しい、ファミコンもしたい、と愚痴が続く。ガス欠気味の自分を、仕方ない、と引きずるようにして仕事に向かう。

3回目のサビでは、相手が父親に変わる。リビングでゴルフの素振りをしている父は、会社勤めの大人の世界そのものだ。

接待、付き合い、休日のゴルフの練習。その背中が、無言で「早くこっちへ来い」と言っているように感じられる。

主人公は、まだそっちにはついていけない、と、くだけた調子でかわす。拒否ではなく、猶予の申し込みだ。

母には夢を聞かないでと言い、父には急かさないでと言う。両親を一人ずつかわしながら、同じ頼みを繰り返していく。

その言葉のあとに「yeah」と囁かれた直後、伸びのあるギターの音が飛び込んでくる。

ここまで主人公は、母をかわし、父をかわし、教え子の態度もこらえてきた。誰にも本気で怒っていない。

その飲み込んできたものが、言葉ではなく、ギターから出てくる。

最初の一音の伸びは、ずっと止めていた息を吐くようで、そこからソロは一気に攻撃的になる。不安と焦りを、口では「ルーズにやらして」としか言えなかった主人公が、ギターの上でだけ、声を荒らげているようだ。

続いて、タイトなドラムのビートに乗せて、ラップパートが始まる。

エフェクトのかかったノイズのような音の向こうで、主人公は愚痴をこぼす。世間が決めたペースで進路を選ぶなんて、自分には無理だ。それに縛られているうちに、自分の道を歩き出すのが、また遅くなっていく。

愚痴が聴こえると同時に、ブラスが高らかに鳴り、「Oh」という歌声が徐々に力を増して、ラストのサビへ向かうテンションを引き上げていく。

そしてラストのサビ。冒頭と同じ弱音から始まるのに、ここで初めて、本音が出てくる。

「愛しい」と、二度重ねる。この曲で、その言葉が向けられるのは、彼女でも教え子でもなく、自分の時間だ。

周りのペースでも、親のペースでもない、僕なりのペース。ここまで愚痴と弱音ばかりだった主人公が、初めて、自分の側にあるものを肯定する。

続く一行は、頼み方が変わっている。決めさせて、ではなく、見極めさせて。

決断から逃げているのではない。まだ見えていないものが、自分の目で見えるようになるまで、待ってほしいと言っている。

「まぁ」と、力を抜いて前置きするのは、急かす相手をなだめる仕草だ。怒鳴り返すのでも、うなだれるのでもない。ゆっくりでいいから、自分で見る。それだけを、静かに譲らない。

ここで「ルーズ」の意味が、ひっくり返る。だらしなさではなく、自分の目で見極めるための時間。

急かされて出した答えより、遅くても自分で出した答えのほうが、愛しい。

そう聴くと、「ルーズにやらして」は、言い訳ではなく、助走に聞こえてくる。

最後の二行で、サビのフレーズが途中で変わる。

「まだちょっとルーズに」と言いかけて、「やらして」の代わりに、「I’m on my way」が来る。

もう向かっている、今、行くところだ、という意味の言葉だ。頼みが、動きに変わっている。「ルーズに」は、待ってくれという意味から、歩き方の意味に変わった。

急がず、自分のペースで、それでも行く。

それを、しゃがれた声で、力を抜いて歌う。サビであれだけ張り上げていた声が、最後だけ、肩の力が抜けている。もう誰かに向かって頼む必要がないからだ。急かす声に張り合うのをやめた人間の、歩き出す声になっている。

リズムを刻むようにブラスがパッと鳴って、余韻を残さないまま、曲はスパッと終わる。

ライブでの演奏は、1996年の “Spirit LOOSE” ツアーと、2007年の『B’z SHOWCASE 2007 -B’z In Your Town-』のみ。ステージではめったに出会えない曲でもある。

『ザ・ルーズ』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、進路や仕事の決断を急かされて、「もう少しだけ待ってほしい」と心のどこかで思っている人だ。

『ザ・ルーズ』は、締まらない日々を、これ以上ないほど華やかなブラスロックで鳴らしてみせる。後ろ向きな言葉を、前のめりのサウンドで歌う。そのギャップに、先延ばしの中でも消えない、沸々とした熱がある。

歌詞カードに載らない家庭教師の一人芝居も、カタカナで漏れる本音も、全部が遊びだ。けれど、その遊びの奥で、自分なりの時間を愛しいと言い切る声だけは、本気で鳴っている。

何も決めないまま、それでも「I’m on my way」と、力を抜いて歩き出す。

急かされることに疲れた人にこそ、この3分32秒を、自分のペースを取り戻すための助走として、聴いてほしい。

【やる気がある】×『ねがい (“BUZZ!!” STYLE)』

イントロは、静かにピアノの音色だけが鳴っている。どこか物憂げで、哀愁を帯びたメロディ。願いの歌は、明るい場所からは始まらない。

その静けさを、ドラムが破る。ノリのいいリズムが、止まっていた時間を一気に動かし始める。やがてベースが下から重なり、リズムに重心が生まれる。そこへエレキギターのカッティングが切り込んで、鈍かった輪郭に、エッジが立つ。

段々と厚くなっていくサウンドに、テンションが少しずつ上がっていく。そこへロックなギターリフが重ねられ、イントロは、もう目の前で鳴っているような臨場感に仕上がっていく。

これは、1995年5月に出た16thシングル「ねがい」の、アルバム版だ。

サブタイトルの”BUZZ!!”は、同じ年の夏に行われた初のスタジアムツアー『Pleasure ’95 “BUZZ!!”』から来ている。そこで披露したアレンジを、スタジオで録り直したのがこのバージョンだ。ドラムとベースはシングル版から入れ替わり、ロック色が強くなっている。

そして、この曲には、もうひとつ大きな意味がある。

『LOOSE』は「B’zは2人」に立ち返ったアルバムだと、ここまで書いてきた。その一歩目が、この曲だった。

アルバムの3曲目にして、この体制で、いちばん最初に世に出た曲。制作チームB+U+Mを解き、2人だけで方向を決めた最初のレコーディングであり、稲葉浩志の名が編曲に並んだ最初の曲であり、新しいレーベル「VERMILLION」から出た最初の1枚でもある。歌の後ろで鳴り続けるオルガンの伴奏は、稲葉浩志のアイデアだという。

『LOOSE』という物語は、ここから始まっている。その始まりの熱量を、”BUZZ!!”の名で、もう一度鳴らし直したのが、このバージョンだ。

願いを人任せにしていた自分を、立ち上がらせる

ひとつ、ため息をついてから、稲葉浩志はAメロを歌い始める。

願いの歌が、終電から始まる。

希望を語る場面としては、いちばん似合わない場所だ。一日を使い切って、座る席もなく揺られていて、つかまった手すりは、誰かの手の跡でベトついている。

この感触から入るのがいい。願いの話をする前に、まず、いま立っている場所を、手のひらで確かめさせる。

願いを口にするのは、余裕のある人ではなく、こういう夜を繰り返している人なのだ。この曲は、そこから歌い出す。

エッジの効いたカッティングと、力強いリズム、そして稲葉浩志の声の表情が、そのあまりにも生々しい現実へと、聴き手を引き込んでいく。

短い夢の中でも、というくだりはファルセットで歌われる。夢の中でさえ冷たい相手。その切なさが、裏声の細さで、より鮮明になる。

Bメロ。

気づいたらこうなっていた、とは言わない。ここまで来たのは、自分が選んだ道だ。

自分の正直な気持ちに向き合うほど、声の力強さが増していく。

言い訳を手放す。願いの話は、そこから始まる。

自分で選んだ道の苦しさが漏れ出すような、「ウゥ」というハスキーな声。それと同時に、サビへ入っていく。

サビまでは、マイナーキーで、ジャズとロックを融合させたファジーで重たい空気に包まれていた曲が、サビでメジャーキーへと変わる。

その希望を、ストレートなロックサウンドで包み、まっすぐに聴き手の胸を貫いていく。

歌われているのは、願いよ叶え、という言葉だ。ただし、拝み倒す相手が、ふつうと違う。

「拝み倒す」は本来、他人を拝むように頼み込んで、承知させることを言う。この歌は、それを自分に向ける。僕は僕に、君は君に。願いを神様にも他人にも預けず、自分で自分を口説き落とす。

願いは叶えてもらうものではなく、そうなるように生きて、自分で叶えるもの。願いの向きを、外から自分へ変える。これが、この曲の芯だ。

だから、泣けばいい、が暗く聞こえない。自分で選んだ道を歩く途中の涙は、負けた涙ではない。泣いてもいいから、歩き続けろ、と言っている。

2番も、Aメロからサビへ、1番と同じ流れで開けていく。ただ、気持ちは一歩前に出ている。

1番で、自分の道だと認めた。2番では、その道を歩くために、いらないものを捨て始める。

楽しめなくなったものは、手放していい。居心地のいい場所から、出ていく支度をしていい。世の中に文句を言い続けても、自分が古びていくだけだ。

そして最後に、いちばん強い言葉が来る。1番では冷たかった相手に、息ができなくなるほど深く、飛び込みたい。

背を向けるのではなく、まっすぐ向かっていく。

2番のサビ前には、ふっと稲葉浩志のシャウトが挟まれる。このアクセントひとつで、1番のサビよりも、願いに対する熱量が上がっていることが伝わってくる。

2番のサビが終わると、ジャジーな雰囲気のオルガン・ソロが展開されていく。このアルバム版がシングル版と大きく変わるのは、ここからだ。

オルガンで整えられた空気を、ギターが一気に破っていく。願いを口にするだけでは足りない気持ちが、ここで音になって暴れている。

どこでも行ける、きっと行ける、と言い切ったあとに、色の話が来る。

赤から黄色へ、白から黒へ。どちらも、混ぜて作れる色ではない。つまり、いまの自分からは辿り着けないはずの場所へ、それでも行く、という宣言だ。

この比喩には昔から諸説あるが、直前の「どこでも行ける」と並べて聴けば、不可能を引き受ける言葉として届く。

そしてラストのサビ。力強いサウンドと歌声。願いよかなえ、の部分がシャウトで歌われ、エネルギーは最高潮に達する。

結びが、変わっている。1番と2番では、拝みたおして泣けばいい、だった。最後は、笑えりゃいい。

願いが叶ったわけではない。変わったのは、願っている本人のほうだ。どこでも行ける、と言い切って、自分を拝み倒して歩き続けた先で、笑えていれば、それでいい。願いの中身より、笑える自分でいることのほうが、ゴールになっている。

アウトロでも、一語が変わる。自分で叶える、と言い切ったすぐあとに、叶えてほしい、と漏らす。どちらも、本当の声だ。願いは、いつもこの二つの間で揺れている。

その揺れを繰り返しながら、稲葉浩志のシャウトと松本孝弘のギターソロが、最後の一瞬まで、願いの熱量を上げ続けていく。

そして最後は、「WOW YEAH」という声が響いて、スパッと終わる。

シングル「ねがい」は初動70万枚を超え、これで「愛のままにわがままに」から5作連続の初動70万枚超という、当時オリコン史上初の記録を作った。ファン投票で選曲された『B’z The Best “Treasure”』では3位。B’zの中でも、ずっと歌われ続けてきた曲だ。

2026年の『B’z LIVE-GYM 2026 -FYOP+-』では、各会場2日目の5曲目に置かれ、1日目の「love me, I love you」と枠を分け合った。同じ『LOOSE』の2曲が、30年以上あとのツアーで日替わりの相手になっている。

『ねがい (“BUZZ!!” STYLE)』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、願いを心のどこかで誰かに任せていて、それでいて、自分で決めた道の途中で泣きたくなっている人だ。

『ねがい (“BUZZ!!” STYLE)』は、終電の手すりのベトつきから始まって、自分で自分を拝み倒すところまで、聴き手を連れていく。マイナーの重たい空気が、サビでメジャーに開ける瞬間に、その道筋が音で示される。

叶えてもらうのではなく、そうなるように生きる。最後には、叶えてよ、と弱音も吐く。その両方を抱えたまま、それでも足を前に出す。

『LOOSE』というアルバムが「2人」で始まった、その最初の一歩を、この5分1秒で確かめてほしい。

【思いにふける】×『夢見が丘』

澄んだ音色のエレキギターが、一音ずつ、アルペジオを置いていく。その音の隙間を、どこか憂いを帯びたストリングスが埋め、輪郭の薄かった情景に、奥行きが生まれる。

そこへ、ロックなギターと、重たいリズムが踏み込んでくる。静かだったイントロが、感情の温度を上げる。ここで、稲葉浩志の歌声が入ってくる。

ヘヴィーなロック・バラードの重みと、その上を伸びていく歌声。最初の一節で、曲の世界観の中に、立たされている。

『LOOSE』は、ここまで3曲、高い熱量で走ってきた。叫びの『spirit loose』、遊びの『ザ・ルーズ』、願いの『ねがい』。4曲目で初めてテンポが落ち、初めてストリングスが入る。視線が、足元から空へ上がる。

シングルでもなければ、タイアップもない。それなのに、2008年のベスト盤『B’z The Best “ULTRA Treasure”』のファン投票では、40万票を超える中で6位。香港の人気投票では1位となり、台湾盤・香港盤のベストアルバムにボーナストラックとして収められた。

アルバム曲としては、別格の扱いを受けてきた曲だ。その理由は、歌詞の中にある。

「わずかな時をむさぼりあおう」。いつか終わる時間を、怖がらずに味わうための歌

この曲は、人間の側からではなく、大地の側から始まる。

喜びも悲しみも、カタカナで書かれている。何万年もそこにある大地から見れば、人がひとりぶん抱えて騒いでいる感情は、遠くで鳴っている、聞き慣れない音でしかないのかもしれない。

その大地の上で、心たちは、愛し合い、奪い合っている。

複数形で書かれているのがいい。無数の心が、同じ場所でぶつかり合って、意味もなく乱れている。

主人公も、その中のひとりだ。ほかの誰かと同じように、人を好きになって、心を乱している。

Aメロで大地の上の無数の心を歌ったあと、Bメロは、その中のひとつ、主人公の胸の中へ入っていく。

思い浮かべただけで、もう落ち着いていられない。大人としての経験も、分別も、ここでは何の役にも立たない。

会いたい、嗅ぎたい、抱きたい。三つの動詞は、頭から身体へ、だんだん近づいていく。「嗅ぎたい」という言葉を選ぶあたりに、理性ではどうにもならない距離の縮め方がある。

稲葉浩志の歌声が、主人公の抱く欲望に、確かな熱を持たせていく。

サビの歌い出しの直前、ギターのチョーキングがテンションを高める。

サビで、曲は全音上に持ち上がる。入りは短調のまま、コードは少しずつ明るいほうへ開いていき、いちばん明るくなる瞬間に、死んでゆく、という言葉が乗る。そして、この丘で、と歌うところで、また短調に沈む。

明るくなって、沈む。君といる時間はうれしい。けれど、長くない。この二つが、コードの動きの中で、同時に鳴っている。

人の一生が、出逢い、別れ、土に埋もれる、の三つで言い切られる。死は、陽が沈むように、と描かれる。悲鳴ではなく、夕暮れとして。

冒頭に大地を置いたのは、このためだろう。大地から見れば、人の死は、今日も日が沈むというだけのことなのだ。

だからこそ、わずかな時をむさぼりあおう、と続く。終わりを知っている人だけが、いまの時間を、貪るように惜しむ。力強い歌声が、そのわずかな時間の重みを、聴き手に手渡してくる。

1番のサビが終わると、ギターソロが入る。余韻をさらに深めるエモーショナルなソロが、勢いを落とさないまま2番へつないでいく。

2番は、先生への呼びかけから始まる。

正しいことと間違ったことを教えてくれた人の、優しい目だけは覚えている。何を教わったのかは、思い出せない。

君を前にした途端、教わったことが全部、役に立たなくなった。これが正しいのか間違っているのか、もう分からない。

ここが、この曲の急所だ。

純粋と聞けば、ふつうは無垢で、誰も傷つけないものを思い浮かべる。この歌は、その反対を言う。飾りをはがして本心だけになるほど、人は欲深くなり、相手をまるごと自分のものにしたくなる。本心から出た言葉ほど、深く刺さって、抜けない。

純粋であることは、優しいことではない。

「奪う」という言葉は、この曲に二度出てくる。1番では無数の心が奪い合い、2番では主人公自身が、君を奪いたい、と言う。みんなの話だったものが、自分の話になった。

相手が誰なのかは、最後まで書かれない。だから、聴く人の数だけ、この歌の「君」がいる。

2番のサビでは、死んでゆく、が、消えてゆく、に変わる。陽が沈むように、から、雨が止むように、へ。

本当に優しくなれるのは、色褪せた景色を見ている時。失ったあとにしか、人は本当には優しくなれないのかもしれない。

2番のサビが終わると、さらにスピードを増した松本孝弘の速弾きのギターソロが飛び込んでくる。後半はより荒々しく、聴き手の感情を刺激してくる。

サウンドは、ふっと静けさに包まれる。エレキギターのカッティングと、ストリングスだけ。

ここで初めて、「夢見が丘」が何なのかが語られる。

地図にはない。誰かに与えられるものでもない。生まれたときから、人はみな、自分の中にその丘を持っている。

ふだんは、その存在を忘れている。正しさや常識を気にして、地面の高さで暮らしているからだ。そこから一段上がったとき、人は誰の許可もなく、自由になる。

後半、ドラムがバスドラムを踏み込み、抜けのいいハイハットが、一打ごとに力を込めてリズムを刻む。その一打一打に、胸が高鳴る。聖なる心の丘よ、と歌われるところでサウンドは力強さを増し、ラストのサビへつながっていく。

ラストのサビは、歌声とストリングスだけで始まる。

正しいのか、間違っているのか。主人公は、その問いに答えるのをやめる。ごまかしているのではない。丘の上では、その問いそのものが、意味を失う。誰かの物差しで測る前に、いま隣にいる人と、残された時間のほうが先に来る。

その声が、まっすぐに胸を貫く。

そして1番の「むさぼりあおう」は、ここで「抱き締めあおう」に変わる。欲望が、慈しみに変わっている。同じ時間の短さを歌っているのに、手つきが違う。

緩やかにでも鮮やかに、から、松本孝弘のギターが歌声と同じメロディをユニゾンで鳴らし、歌に切れ味を足していく。

炎は、ゆっくりと、しかし鮮やかに近づいてくる。それが何であれ、終わりであることは変わらない。

それを知ったうえで、君の手を握って歩いている。この曲の愛情は、終わりを承知したうえのものだ。

この丘で、と稲葉浩志のシャウトが響くなか、アウトロでは感情的なギターソロが鳴り始める。
最後までエネルギーを緩めることなく、その刹那がいつまでも続くかのように響き渡るなかで、ゆっくりとフェードアウトしていく。

ライブでは、1996年のツアーのあと、2001年の台北・香港公演を除いて長く演奏されず、2008年の『ACTION』で日本では約12年ぶりに復活。2013年のホール公演と、2020年の配信ライブ『5 ERAS 8820』のDay2でも歌われた。ステージで聴ける機会は多くないが、2013年の会津公演と2020年のDay2は映像で確かめられる。

『夢見が丘』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、大切な人と過ごす時間が、いつか終わると知ってしまった人だ。

『夢見が丘』は、人の一生を大地の側から眺めることで、死を夕暮れのように描き、そのぶん、いま握っている手のぬくもりを鮮やかにする。純粋さは奪いたい気持ちと同じ場所にあり、正しいか間違いかは、丘の上ではいったん問われない。

むさぼりあおう、が、抱き締めあおう、に変わるまでの4分40秒。

終わりが近づいていることを知りながら、それでも手を離さない。その静かな覚悟に、思いをめぐらせてほしい。

【ぞくぞくする】×『BAD COMMUNICATION (000-18)』

乾いた、木のサウンド。

Martin 000-18のリフが、いきなり飛び込んでくる。低音で押してこない、中音域のはっきりした音。かき鳴らしているのに、コードの一音一音が、ばらけて聴こえる。弦が一本ずつ、そこにあるのが分かる。

そこへ、ベースがずっしりと重さを足す。ギターの音が、下から支えられて、腰を据える。稲葉浩志の、しゃがれた低い「oh yeah」。その一言を合図に、ドラムがリズムを刻み始め、ブルースハープが、こすれた音色で上に乗ってくる。

最初の数小節で、乾いたブルースの空気に引き込まれる。

1989年、B’zがブレイクするきっかけになった曲がある。1stミニアルバムの表題曲「BAD COMMUNICATION」。打ち込みのダンスビートで踊らせる、ロックナンバーだ。富士通のCMに使われ、この曲でB’zは初めてテレビに出た。

それを6年後、松本と稲葉が編曲まで手がけた『LOOSE』で、アコースティック・ブルースとして録り直した。前年の『LIVE-GYM ’94 “The 9th Blues”』後半ツアーで披露した、アコースティック版が元だ。キーは半音上がり、3番は切られ、7分25秒が4分57秒になった。

サブタイトルの「000-18」は、冒頭から鳴っているあのギターの名前だ。読みは、トリプル・オー・エイティーン。1937年製のMartin。松本孝弘が1995年に手に入れ、「これにかなう音はない」と語った一本で、以来、B’zのアコースティックギターは、ほとんどがこれで録られている。

小ぶりなボディに、マホガニーの側板と裏板、短めのスケール。低音で押さない、あの音は、この造りから来ている。歌の伴奏に向き、ブルースにも向く。

替えの効かない一本で、ライブには一度も持ち出されていない。2007年、『ACTION』の録音中に乾燥でボディが割れ、修理のあとは自宅に飾られていた。2011年、CMのために鳴らしてみるといい音が出て、レコーディングに復帰した。

Tak’s Guitar of the Day: “MOTEL”

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— B'z (@Bz_Official) July 3, 2020

ライブでは聴けない音が、この曲には入っている。

この曲のリフを鳴らしている000-18の、現行モデル。松本孝弘の1937年製とは別物だが、小ぶりなボディにマホガニーの側板と裏板、短めのスケールという造りは同じだ。乾いた木の音の出どころを、手元で確かめたい人に。

迷ったら、商品名に「000-18」と「Standard」の両方が入った新品を。「Authentic 1937」は1937年製を再現した別モデルで値段も大きく違い、中古は個体ごとの状態差がある。

深入りを避けてきた人の胸に、この枯れた声は、いちばん深く入ってくる

「Crazy in my mind」。そう歌い出す稲葉浩志の声に、驚く。

枯れている。ダンサンブルな原曲にはなかった、ざらついた声だ。25歳で歌った詞を、31歳の声で歌い直している。

愛なのか、自由なのか、幸せなのか、大丈夫なのか。曲の中で問いは四つ、どれも一言で答えられるはずのものだ。返ってくるのは、三度の「I don’t know」と、言葉にならない「wow」だけ。

1番の後半で、一度だけ、言い切る。「That’s all それでいい」。ここだけ、結びの言葉が「I don’t know」ではなく「I say」だ。

これが愛かどうかは答えないまま、これで十分だ、身体だけでいい、と自分で決めてしまう。

関係に名前はつけない。相手との距離だけは、先に決めておく。それが、この主人公の生き方だ。

「That’s all」。まだ1番の途中、サビを待たずに、枯れた声が振り切れる。張り上げても、なめらかにはならない。ざらついたまま、耳に擦れてくる。

踊らせる原曲にはなかった荒々しさが、この一声で、痛いほど分かる。

それでいい、と言い聞かせる回数が多いほど、納得していないことが透けて見える。

サウンドがシンプルなぶん、歌声が、歌詞の言葉をまっすぐに胸へ突きつけてくる。

深入りしないで続けられる。そう言い切ったそばから、「Don’t you think so?」と、こちらに振ってくる。そうだよな、と誰かに言ってほしい。相手は誰でもいい。みんなそうだと思えれば、冷たいのは、自分ひとりではなくなる。

サビで、歌声はいっそう強く、荒ぶる。突き放す言葉より先に、荒れた声が、主人公の本心を伝えてくる。

身体だけでいい。本音は押し殺す。核心には触れるな。そう並べた口で、最後に「Speak up」、話せ、と言う。押し殺せと言ったすぐあとで、話せと求める。

触れられたくないのに、分かってほしい。身体では近づき、言葉では遠ざける。伝わらないように、伝え合う。

下手なのではなく、わざとつながらない。それが「Bad Communication」なのだろう。

そしてサビの最後、「Bad Communication」と、じっくり振り絞るような歌声と、ギターのリフだけになる。音が抜けるこの瞬間が、最高に気持ちいい。曲が進むにつれて、聴き手の鼓動も、曲に同期していく。

1番のサビが終わると、ギターソロが入る。エレキに持ち替えない。冒頭から鳴っている、あの000-18のままだ。

泣かせにも、暴れにも行かない。ジャズの匂いのする、宙に浮いたような音を選ぶ。派手さを捨てたぶん、乾いた空気が薄まらず、曲の世界に、さらに沈んでいく。

2番で、声はさらに表情を増す。

人の不幸を楽しむときの、あのゾクゾクする感じを、圧倒的な表現力で歌ってみせる。

冷たい自由に、飼いならされていたい。

かつての相手の不幸を、テレビで面白がって眺めている。深入りしなかったから、痛くない。その冷たさに、慣れきってしまいたい、と言う。しかも、やさしく、傷まないように。

自由がほしいのではない。もう誰にも、心を動かされたくないだけだ。

「Is it free?」。飼いならされていたい、と言った直後に、枯れた声で叫ぶ。これが自由なのか、と自分に問い返している。

低い声からシャウトまで、稲葉浩志の声の幅が、一気に見える。答えは、また「I don’t know」。それでも、問いを叫んだ瞬間に、聴き手の動悸が速まる。

問いも、「I don’t know」も、ここにはない。「そう」と、うなずくところから始まる。分かっていて、逃げている。
怖いのは、失うことだ。だから、失うほどのものを作らない。相手は誰でもいい、と言ってきた理由が、ここで明かされる。かけがえのないものを持たなければ、失う日も来ない。

この曲で、いちばんまっすぐな告白だ。

最後のサビで、一語だけ変わる。「ワカラナイ any more」の相手が、君から僕へ。分からなくなったのは、相手ではなく、自分のほうだった。誰にも触れさせなかった本音は、自分でも触れられなくなる。

最後のサビの終盤、「wow wow wow」で、演奏がスパッと止まる。残るのは、声だけ。ひと呼吸ぶんの間があって、「Bad communication」が、どこまでも伸びていく。

その声を受けて、イントロと同じ000-18のリフが戻り、バンドが鳴り出す。荒々しいブルースハープと、そっと差し込まれるピアノ。アウトロの隅々まで、ブルースの色に染まっていく。

最後はリフを一度だけ鳴らして、バシッと終わる。

稲葉浩志は、このタイトルを「半端じゃない、生半可じゃないコミュニケーション」の意味だと語っている（『B’z TWELVE』祥伝社、2000年）。同じ本で、歌詞はわざと「ありがたくない表現」で書いた、聴いた人が逆に、やっぱりコミュニケーションは必要だと思ってくれたら嬉しい、とも話している。

避け続ける一夜を描いたのは、裏返しを見せるためだ。半端じゃない、と名付けた曲で、半端なままの人間を歌う。歌の中の距離が冷たいほど、聴くほうは、誰かと話したくなる。

その仕掛けまで含めて、この曲は、ぞくりとさせてくれる。

この曲には、5つのバージョンがある。

・原曲（1989年、1stミニアルバム『BAD COMMUNICATION』）。7分25秒。打ち込みのダンスビート。

・JAPANESE SHORT VERSION（1989年）。プロモーション用の7インチ盤だけに収録。CDでは聴けない。

・E.Style（1990年、2ndミニアルバム『WICKED BEAT』）。全編英語詞。

・(000-18)（1995年、『LOOSE』）。アコースティック・ブルース。3番をカットし、4分57秒。

・-ULTRA Pleasure Style-（2008年、ベスト『B’z The Best “ULTRA Pleasure”』）。打ち込みの多くを生の演奏に置き換えた、ハードロック版。

ライブでは、演奏回数が最多クラスの定番曲。近年のステージはハードロックの形で、000-18版そのものが演奏されたのは、1994年の『The 9th Blues』後半ツアーだけだ。1997年の『FIREBALL』では、000-18版から通常版へ移り変わるアレンジで演奏されたと伝わっている。

『BAD COMMUNICATION (000-18)』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、傷つくのが怖くて、誰とも深入りしないと決めている人だ。

『BAD COMMUNICATION (000-18)』は、1989年に踊らせた歌を、乾いた木の音のリフと、枯れた声で歌い直す。それでいい、と言い聞かせるシャウトが、荒々しく耳に擦れるほど、本音が透けて見える。

関係に名前はつけず、距離だけを決める。問われれば、「I don’t know」。この曲は、その逃げ方を責めない。枯れた声で、まっすぐに歌うだけだ。

深入りしない夜を選び続けている人こそ、ライブでは鳴らないこの4分57秒に、自分の鼓動が速くなるのを、確かめてほしい。

【希望に満ちた】×『消えない虹』

最初に聴こえるのは、サビの旋律だ。歌より先に、ピアノが一台、それをゆっくりとなぞる。

そこへ、稲葉浩志の歌声が、そっと乗ってくる。優しく寄り添うような声が、歌詞の情景を、ゆっくり浮かび上がらせていく。

『LOOSE』の6曲目は、このアルバムでいちばん静かな入口だ。

この曲は、ハワイで生まれた。1995年、B’zはハワイでアルバムの下ごしらえをしていて、そこで4曲が作られた。「ザ・ルーズ」「drive to MY WORLD」、そしてこの曲。できたのは、その滞在の終盤だ。

構成も、B’zの中で珍しい。1番は、ピアノと歌だけ。2番の頭で曲全体が半音上がり、そこで初めてストリングス、ドラム、アコースティックギターが入ってくる。エレキギターが鳴るのは、いちばん最後だけだ。

全編英語のデモ版もある。1995年夏の「BUZZ!!」ツアーでは終演後に流れたとされ、映像作品『”BUZZ!!” THE MOVIE』のエンドロールで聴ける。CDにはなっていない。

何も変えられない日に、それでも何かは始まると、隣でささやいてくれるバラード

歌は、雨がやんだあとの話から始まる。いまはまだ降っているのかもしれない。それでも、やんだら、と、その先の景色を話す。

主人公は、まだ何もしてやれない。空を見ろ、とも言わない。君の瞳に、いまどんな色が映っているのか、と聞くだけだ。

自分の目で見た空ではなく、相手の目に映った空。この歌は最初から、そこにしか興味がない。

鳴っているのは、ピアノ一台。声を覆う音がないから、歌はそのままの温度で、まっすぐ届く。

Bメロは、たった一行。「もしも 窓を開けるなら」。

窓の内側に、君がいる。開けろ、とは言わない。開けたら、と言う。開けるのは君の手だ、と決めている。自分にできるのは、その窓の外に虹があるよ、と伝えることだけだ。

寄り添う声に導かれて、視線が部屋の中から外へ、ゆっくり向く。

サビで頼むのは、二つだけ。虹を見つけてくれ。もう泣かないで。

虹は、雨のあとにしか出ない。そして、すぐ消える。いちばんはかないものに「消えない」と名前をつけて、それを、自分が差し出すのではなく、君が見つけてくれ、と頼む。

主人公の手の中に、虹はない。あるのは、窓を開けたら見えるはずだ、という確信だけだ。

そして、変えられなくても、始まるから、と続く。「変える」は、自分の力で押さないと動かない。「始まる」は、押さなくても動き出す。

何も変えなくていい、それでも何かは始まる。傷ついている人に、頑張れとは言わない。しかも「何か」は二度とも、何かのままだ。大きなことは、約束しない。

サビに入っても、鳴っているのはピアノだけだ。曲の頭でピアノだけが弾いていた旋律を、ここで初めて、稲葉浩志が歌詞をのせて歌う。

その最初の一行、ピアノの響きが、階段を登るように一つずつ高くなる。声にも、どこか熱がこもる。優しいまま、芯だけが熱い。その声が、胸をそっと流れていく。

2番の頭で、曲全体が半音、高いところへ移る。そこへ、ストリングス、ドラム、アコースティックギターが一斉に入ってくる。窓が開いたように、ピアノと声だけだった景色に外の空気が流れ込み、曲の世界が一気に広がる。

ここで、胸の内側が描かれる。

誰かへの想いを、自分から断ち切ろうとしている。けれど、口をついて出るのは哀しい言葉だ。歌詞は「並べてしまう」と書く。そうしたくて、しているのではない。

新しい服を着てみる。服で隠せるものは、隠している。それでも隠せないのが、胸の痛みだ。歌詞は「だけは」と、それ一つに限っている。

壮大になったサウンドが、その痛みを、深く、感情的に伝えてくる。

続くBメロで、主人公は君の香りに包まれている。離れていても、そのくらい近くに、君を感じている。

1番のサビは、頼みだった。見つけてくれ、泣かないで。相手にしてほしいことばかりだ。2番のサビで、言葉が変わる。会おう。ここで、自分も入った言葉になる。

待ち合わせの場所は、消えない虹の下、覚めない夢の中。消えない、覚めない、と、終わらないものを二つ重ねて、そこを約束の場所にした。

そして、この歌で一度だけ、「僕」が出てくる。ここにいる、と。

日本語の歌詞の中で、主人公が自分について語るのは、ここだけだ。あとは全部、君のことだ。相手ばかり見てきた歌が、ただ一度、自分のことを言う。それが、ここにいる、の一言。

季節は、冷たいまま過ぎていくかもしれない。歌は、それを否定しない。温めてあげる、とも言わない。そのかわり、冷たい時間を、隣で一緒に過ごす。ずっと、ここにいる。約束するのは、それだけだ。

ストリングスとバンドを従えて力を増した歌声が、この静かな約束を、前向きな言葉へ押し上げる。1番では慰めだった同じメロディが、ここでは胸を熱くする。

サビの後半は、英語になる。同じメロディが、ここではより優しく聴こえる。

歌われているのは、三つのことだ。君のことを考えている。君をこんなに悲しませたのが誰なのか、分かっている。そして、いつか自分が、君のたどり着く場所になる。

誰が悲しませたのかは、歌は明かさない。ただ、知っている、とだけ言う。約束には「someday」がつく。今じゃなくていい。急がない。待つ側の言葉だ。

同じ言葉が、二度、歌われる。一度目は、君を失くしたくないから。二度目は、失くしたくはないから。相手に向けていた言葉が、自分への誓いに変わる。

昨日には戻らない。昨日とは、君が悲しんでいたころのことだ。そこへ戻れば、君をまた失う。だから、戻らない。過去をやり直すのではなく、ここから先だけを見る、という宣言だ。

その歌声が響きわたり、演奏はゆっくりと終わりへ向かう。

ストリングスの音が伸びきったところで、ピアノが鳴る。そこへ、松本孝弘のギターが、初めて聴こえてくる。

クリーンなトーンの旋律を、ストリングスとベースが支える。3分半、ずっと出番を待っていたギターが、最後の最後に、余韻を受け持つ。

ようやく鳴るこの音は、歌の中の「いつか」が本当に来ることを告げる、合図のように聴こえる。

曲は、静かに、温まりながら終わっていく。

ライブでは、長く眠っていた曲だ。1996年の「Spirit LOOSE」ツアーで本編の最後を飾り、次に鳴ったのは22年後、2018年のハワイのファンクラブ公演。2025年の「FYOP」ドームツアーでは、各会場の初日だけの日替わり曲として、29年ぶりにツアーへ戻ってきた。

東京ドームでは、前半を稲葉浩志の歌とピアノだけで進め、松本孝弘たちバンドは後半から加わった、とBARKSが伝えている。B’zのライブで、松本が最初からステージにいない曲は珍しい。ギターが最後にだけ鳴る音源の構造を、ステージでもそのまま再現した形だ。

『消えない虹』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、傷ついたまま、何も変えられない日々を過ごしている人だ。

『消えない虹』の魅力は、まず声にある。ピアノ一台の上で、優しく寄り添うように歌う1番。半音上がってストリングスとバンドが入り、力を増して胸を熱くする2番。同じ旋律が、伴奏の厚みで、慰めから励ましへ表情を変える。急かさない。変えろとも言わない。ここにいる、とだけ言う。

そして、3分半待ってようやく鳴る、松本孝弘のクリーンなギター。ストリングスとベースに寄り添われて、曲の余韻を温めながら、静かに閉じていく。

窓を開ける気になれない夜に、この3分37秒を、急がずに聴いてほしい。

【楽観的】×『love me, I love you (with G Bass)』

ベースも、ギターも、ホーンも。三つの音が一本になって、一気に駆け上がる。

イントロは、そのユニゾンで始まる。ホーンが、華やかなリフを高らかに吹く。そこへエレキギターが躍動しながら重なり、ベースとドラムが、リズムを跳ねさせる。4th Album『RISKY』の『Wonderful Opportunity』を思い出す明るさだ。

『LOOSE』の7曲目は、アルバムでいちばん陽の当たる場所にある。

17thシングルとして世に出たのは、1995年7月7日。前作「ねがい」からわずか1か月、しかも金曜日の発売だった。その日がスタジアムツアー「BUZZ!!」の初日で、発売日を合わせたからだ。

テレビ朝日の木曜ドラマ『外科医柊又三郎』の主題歌になり、オリコンで2週連続1位、累計は約139万枚。B’zの連続ミリオンはこれで10作となり、日本で初めての記録になった。

3分19秒は、2006年の「衝動」まで、B’zでいちばん短いシングル曲だった。

サブタイトルの「with G Bass」の「G」は、このアルバム版でベースを弾いた人の愛称だ。

明石昌夫。1988年からB’zの音を支え、ベースとマニピュレーターを担当し、「3人目のB’zメンバー」と呼ばれた人だ。「G」は、Great と、当時金髪だった明石の Golden hair の両方を指す（『music freak magazine & Es Flash Back B’z XXV Memories I』エムアールエム、2013年）。

同じ本によれば、シングルでは打ち込みだったベースを、アルバムでは「雰囲気を変えたい」と明石の生演奏に差し替え、ギターの音を大きくした。コーラスも一部足されている。

明石は1997年までB’zのサポートを務め、2025年5月19日、68歳でこの世を去った。曲名に愛称を刻まれたこのベースは、アルバムの中で鳴り続けている。

ライブで歌われるコーラスも、この版から生まれたものだ。ステージの上で、音源で、明石の仕事はいまも生き続けている。

自分の弱さと軽やかに向き合っていける歌

『love me, I love you』というタイトルだけを見れば、甘い告白の歌のように思える。

ところが歌い出しに、告白は出てこない。代わりに飛んでくるのは、モヤモヤしている誰かへの注文だ。その誰かが、まさに自分のことで、思わずドキリとする。

跳ねるリズムに乗って、稲葉浩志の声が飛び込んでくる。一言目から張りのある、出し惜しみのない声だ。その勢いに、聴くほうも一気に曲の中へ連れていかれる。

歌っているのは、慰めではない。期待しすぎなんじゃないの、と聞かれると、返す言葉がない。相手のことは責めない。期待した側の胸に、話を戻してくる。

サウンドの真ん中には、ベースがいる。そのまわりで、躍動するギターと華やかなホーンが鳴り、後ろ向きな言葉に精一杯の光を当てている。

説教を聞かされているはずなのに、少しも重たくならない。自分の心の弱いところにも、軽やかな足取りで向き合っていける気がしてくる。

Bメロに入ると、話が少し広がる。

人の心には、どうしても足りないところがある。まずそれを、誰にでもあることだと認めてしまう。そのうえで、そこを埋めるのは恋人でも親でもない、ねえ、そうでしょう、と肩を組むように言う。

じゃあ誰が埋めるのか。その答えは、最後のサビまで楽しみに取っておく。

サビの直前で、ホーンがリズムを刻む。ファンクのようにキレのいいその音がサビの入口を照らして、そこへ、力強さを増した声が飛び込んでくる。

ホーンが刻んだ勢いのまま、声が一段高いところへ飛び上がる。love me。呼びかけは甘いのに、続く言葉は、けちらないで、と迫ってくる。

I love you。その直後には、人に出させてばかりじゃ誰もいなくなるよ、と釘を刺してくる。

それでも重くならないのは、真ん中の一行があるからだ。ボクはきっと、もっと出せる。

自分の中にはまだ愛がある、と言い切るこの一行を、稲葉浩志は力を増した声で、優しいメロディに乗せて歌う。

厳しいことを言われているのに、胸の奥が温まってくる。サビが終わるころには、自分にもまだ出せるものがある、という気になっている。

2番は、もっと痛いところを突いてくる。うまくいかないのを、誰かのせいにしていないか。図星なのに、腹は立たない。それを「癖」と呼んでくれるからだ。癖なら、性格の話ではない。誰にでもつくもので、気づいたところから、少しずつ直していけばいい。

Bメロは、やりたくない日の逃げ道を用意してくれる。消去法でもいい、そのうちなんとかなる。そう言って肩の力を抜かせておいて、ヘイ、そうだろう、とまた笑いかけてくれる。

2番のサビは、怒りの扱い方だ。ぴりぴり、ムッ、グッ、カッ。擬音が四つ並ぶだけで、いらついて、頭に来て、こらえて、それでも爆発する自分が見える。

ここで説教されるかと思ったら、返ってくるのは、baby, let’s dance。愛をはきだして、それでもだめなら踊れ。怒りを消そうとせず、身体の外へ出させてしまう。

2番のサビが終わると、松本孝弘のギターソロが飛び込んでくる。コード進行はマイナーから明るいほうへ、聴き手の心の動きをなぞるように移っていき、その中を、気持ちを鼓舞するようなアグレッシブなソロが駆け抜けていく。let’s dance の一言を受けて、踊るようなギターソロだ。

最後のサビの前では、ホーンのリズムがこれまでの倍の長さで刻まれて、サビへの入りが、曲の中でいちばん大きくなる。

最後のサビで、話はいちばん大きくなる。love me、I love you、と来た英語が、ここで Let’s give it away に変わる。惜しまずに配ってしまおう、という意味だ。

二人のあいだで受け渡していた愛が、外へ向かって開かれる。だから、けなすな、誉めろ、それも人だけじゃなく、海も山も、と続く。そこへ、なんちゅうLOVE、の一言が来る。愛を出せ、と言い続けてきた歌の、いちばん大きな肯定だ。

そして、Bメロで宙に浮いたままだった答えが、ここで出る。

足りないところを埋めるのは、恋人でも親でもなく、自分自身だ。

この歌は、それまで、そのうちなんとかなる、とのんびり構えていた。それが最後の一行だけ、今出して、と急かす。愛を出すことだけは、先延ばしにするな、ということだろう。

アグレッシブさを増した稲葉浩志の声が、その一行を、心に光を当てるように、まっすぐ響かせる。

アウトロでは、イントロと同じ華やかな音が戻ってきて、最後は楽器のユニゾンで、スパッと終わる。

ライブでは、発売日がツアー初日だった1995年から、ずっと定番だ。演奏回数は約300回にのぼり、B’zの全曲の中でも上位に入る。

2026年の「FYOP+」ツアーでは各会場の初日に5曲目で歌われ、2日目は「ねがい」と入れ替わった。明石昌夫が亡くなったあとのツアーでも、彼の生ベースから生まれたこのアルバム版のコーラスで、歌われ続けている。

『love me, I love you (with G Bass)』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、人間関係にモヤモヤして、その原因を相手のせいにしたくなっている人だ。

『love me, I love you (with G Bass)』は、真ん中に明石昌夫の生ベースを置き、跳ねるリズムとホーンで、耳の痛い話をいちばん明るい音で鳴らしてみせる。

愛はけちらず先に出せ、運の悪さを人になすりつけるな、カッときたら踊れ。言われている中身はきついのに、聴き終わるころには、なぜか気持ちが軽くなっている。

サビで一段上がるキーに、力を増していく稲葉浩志の声、そしてギターソロで踊り出す演奏。最後の「今出して」まで、音が言葉を裏切ることはない。

誰かに期待しすぎて疲れた日こそ、この3分20秒で、先に自分から愛を出してみてほしい。この曲が歌うとおり、きっとまだ、もっと出せるはずだから。

【熱狂的】×『LOVE PHANTOM』

ストリングスと打ち込みのサウンドが、壮大に鳴りはじめる。マイナーの旋律が妖しい空気を連れてきて、そこへエレキギターが絡みつき、何かが始まる予感だけが膨らんでいく。

その予感が膨らみきったところで、音はふっとほどける。残るのは、哀しげなストリングスだ。打ち込みの音がその哀しみに厚みを足し、キーボードの細かく連なるフレーズが、ミステリアスな旋律を描きはじめる。

そこへ、ぞっとするほど不気味な声が、英語で語りかけてくる。哀しい旋律に聴き入っていた耳が、一瞬で物語の中へ引きずり込まれる。声の主は、主人公の怪人だ。

伸びのあるギターが飛び込んでくる。ここで初めて、ビートが刻まれはじめる。脈打つ音が、高揚感をさらに押し上げていく。

そして怪人は、自らを「LOVE PHANTOM」と名乗る。この曲名は、歌詞には一度も出てこない。口にされるのは、この名乗りだけだ。その名を合図に、歌が始まる。ここまでで、約1分20秒だ。

18thシングルとして発売されたのは、1995年10月11日。最初の1週間で95.1万枚を売り上げ、初週の売上として当時の最高記録になった。累計は約186万枚で、B’zのシングルでは2番目に多い。

テレビ朝日系で放送された『X-ファイル』の主題歌として、この曲を知った人も多いはずだ。発売から30年がたった今も、ファンの支持は厚い。ニュースサイト「ねとらぼ」が読者に好きなB’zのシングルを聞いた投票では、2021年も、紅白歌合戦に出た直後の2025年1月も、この曲が1位だった。

生まれたきっかけは、ステージの演出だった。1995年夏のスタジアムツアー「BUZZ!!」には、稲葉浩志がバンパイアの扮装で、数十メートルの高さから飛び降りる場面があった。その場面のために書き下ろされたのが、この曲だ。

歌詞も、フランケンシュタインやドラキュラ伯爵のような、日常的でない主人公の恋をイメージして書かれた（『B’z ウルトラクロニクル』ソニー・マガジンズ、2003年）。仮のタイトルが「LOVE ALIEN」だったことは、2023年の『稲葉浩志作品展 シアン』に展示された直筆の歌詞ノートで明らかになった。

音の作りも、このアルバムでは珍しい。生のバンドサウンドが中心の『LOOSE』で、この曲は、打ち込みのビートに乗って走っていく。

好きになりすぎた苦しさを、熱狂に変えてくれる歌

怪人が名乗りを終えると、Aメロを待たずに、いきなりサビが来る。

1分20秒待たされた耳に、稲葉浩志の第一声が、真正面からぶつかってくる。身構える間もなく、熱の真ん中へ放り込まれる。

エネルギーの塊のような声と、一度聴いたら離れないメロディに乗って、イントロで高まった熱が、さらに突き抜けていく。聴いているほうの体温まで、一気に引き上げられる。

最初の言葉は「いらない」だ。誰かを求める歌が、捨てるところから始まる。そして君を探して彷徨っているのは、彼の魂だ。

「がまんできない」。剥き出しの言葉を、全力の声で歌う。つられて、こちらの抑えまで効かなくなってしまいそうだ。

Aメロに入ると、曲調がふっと明るくなる。軽やかな声が駆け抜け、松本孝弘のギターが、アクセルを踏み込むように切り込んでくる。

せわしい街の中で、主人公だけが、どこにも向かっていない。

夢に向かって歩いていく人たちを、歌詞は「途中の人」と呼ぶ。行き先のある人だけが、途中にいられる。君のいない主人公には、その行き先がない。軽やかな声で歌われるぶん、ひとり取り残された感じが、いっそう際立つ。

Bメロを挟まず、Aメロからそのままサビへ突っ込んでいく。この速さがたまらない。

サビのメロディが、勢いを落とさずに戻ってくる。変わるのは、言葉だけだ。

壮大な音の真ん中で、稲葉浩志が全力で歌うのは、「せこい」という小さな言葉だ。サビの熱に乗って叫んでいたら、その勢いのまま、今度は自分の内側を覗き込まされる。

「なってたよ」。過去形で歌うから、本人はもう気づいている。ビートは止まらず、声は張ったままだ。言い訳を挟む隙もなく、その言葉が、胸の奥まで届いてしまう。

サビが終わると、メロディが消える。ハスキーな声が、言葉そのもののリズムで語りはじめる。サビとAメロの往復に、ここで別の景色が差し込まれる。おかげで、最後まで飽きる暇がない。

語りに並ぶのは、君がしてくれることばかりだ。支えるのも、自由にするのも、君のほうで、主人公は受け取るだけだ。

ねえ、2人でひとつでしょ、と念を押し、「yin & yan」とまで言う。陰と陽、二つ合わさって初めてひとつの円になる、あの古い言葉だ。それなのに、自分が君に何をするかは、一言も出てこない。

それでも本人は、それを愛の言葉として語っている。君がいなければ生きられない、というほどの気持ちを、愛だと信じて疑わない。

受け取るばかりのこの気持ちが、いまの彼には、これ以上ないほど深い愛に思えているのかもしれない。

メロディを持たせなかったぶん、月の光のように君の背中へすべり落ちよう、という美しい一行が、まっすぐ胸に残る。

そこへ、女性の声が一行だけ返ってくる。つぶされる、と。月の光のつもりで落ちていったものが、受け止める側には、重さだった。

この一声で、物語にもう一人の人間が立ち上がり、曲の臨場感がぐっと増す。

2番のAメロは、出会う前の日々を振り返る。風のない海のように、何も動かない毎日で、花の色さえ褪せて見えていた。君は、その景色に色をくれた人だった。

Aメロのあとは、サビのメロディが二回続く。一回目で、この歌に初めて疑いが混じる。離れずに過ごしたあの時間は、ホントだったのか。君は今、何を思っているのか。相手の胸の内を気にかける言葉は、ここまで一度も出てこなかった。

二回目で、主人公は腹の底から君の名前を叫ぶ。その叫びと一緒に、何かが体からとびだしていく。歌詞は、それを It’s my soul と呼ぶ。冒頭のサビで君を探して彷徨っていた魂が、ここで本当に、体を離れてしまう。

残された体は、カラのままだ。その体が歩いていく街は、はしゃいでいる。にぎやかな街ほど、とぼとぼとした足取りは、重く見える。

イントロで怪人が名乗った「PHANTOM」が、ここで姿を見せる。魂の抜けた体で、街を歩いている。

サビが終わると、ビートの上に、女性のコーラスが立ち上がる。言葉を持たない Ah の声が、高く、遠くまで伸びて、曲の空を一気に押し広げていく。そこへ、ギターソロが飛び込んでくる。後半の速弾きは、曲のスピードと主人公の焦りを、そのまま音にしたようだ。

そして、ドラムが止む。

残るのは、キーボードの繰り返すフレーズと、そっと寄り添うストリングスだ。静まった演奏の真ん中で、稲葉浩志の透き通った声が、くっきりと浮かび上がる。

透き通った声は、少しも細くならない。一語ずつをはっきりと、胸に置いていくように歌う。

歌われるのは、この曲でいちばん痛い告白だ。欲しい気持ちが、成長しすぎた。育ちすぎた欲しさが、愛することを忘れさせた。「欲しい」と「愛する」は、この歌の中では別の言葉で、その境目を、本人がここで初めて口にする。

そして、万能の君。支えてくれて、自由にしてくれて、いなければ生きられない。語りのパートで並べていた君の姿が、そっくりそのまま当てはまる。あれは幻で、作ったのは自分だった。逃げ場のない言葉を、稲葉浩志は、一歩も引かない強さで歌い切る。

音が減ったぶん、この四行は、どのサビよりも大きく迫ってくる。公式YouTubeのライブ映像にも、このくだりを「ものすごい文学」と呼ぶコメントが寄せられ、多くの共感を集めている。

静かな四行で溜めたぶん、最後のサビは、これまでのどのサビよりも強く突き抜ける。歌われるのは、冒頭とまったく同じ言葉だ。幻だと気づいたあとで、それでも、いらない何も、と歌う。「全部あげよう」の声が、どこまでも伸びていく。

そして、結びの二行が来る。歌い手が、ここで替わる。稲葉浩志の声は引き、ソプラノの澄んだ高い声が、この曲の最後の言葉を引き受ける。

言葉は、主人公の告白だ。幻だと、もう分かっている。作ったのが自分だとも、分かっている。それでも、いつも愛してる、と歌う。作ったのは過去のことで、愛しているのは、今のことだ。しかも、何もわからずに、と続ける。

気づいたからといって、気持ちまで消えてくれるわけではない。幻だと知ったあとも、知る前と同じ強さで、愛し続けてしまう。この二行が歌っているのは、その、どうにもならなさだ。

『LOVE PHANTOM』という題名は、イントロで怪人が名乗ったきり、歌詞の中では一度も歌われない。けれど、題名にある二つの言葉、愛と幻は、この結びの一行で初めて、一つの文になる。

幻を、愛してる。それが、LOVE PHANTOM という言葉の正体だろう。

この二行を、本人の声は歌わない。2番でとびだした魂が、体の外から歌っているように聴こえる。囁く女性の声が、そのあとを追う。

英語も、そのままソプラノが引き取る。聴こえるか、これが私の魂だ、欲しいものは何でもあげよう。サビの「全部あげよう」と同じ誓いを、高く伸びる声で、もう一度差し出す。

ギターが同じ旋律をなぞり、ソプラノと並んで伸びていく。疾走感は、最後の一瞬まで落ちない。音が伸びきったところで、スパッと終わる。

ライブで初めて演奏されたのは、1995年の「BUZZ!!」。発売前で、客席の誰も知らない曲だった。イントロが流れても、歓声が起きない。いま見ると、それが新鮮だ。

以来、ライブの定番であり続けている。2020年に公式が発表した演奏回数のランキングでは6位。2023年の「STARS」ツアーではスタジアムとドームの1曲目を飾り、2024年の紅白歌合戦では、サプライズで登場した二人が、この曲から歌い始めた。

発売から30年たっても、あのイントロが鳴る瞬間は、いつもライブの特別な場面になる。

『LOVE PHANTOM』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、誰かを求める気持ちが大きくなりすぎて、自分でも持て余している人だ。

『LOVE PHANTOM』の魅力は、何より、その熱量にある。壮大なストリングスと不気味な語りで空気を張りつめさせた1分20秒のあと、稲葉浩志の第一声が、真正面からぶつかってくる。そこからは、走り続けるビートの上で、全力の声と松本孝弘のギターが、最後の一音まで緩まない。

歌われているのは、怪人の恋の姿を借りた、誰にでも覚えのある気持ちだ。好きになりすぎて、欲しい気持ちが育ちすぎて、相手の幻まで愛してしまう。

この曲は、それを責めない。せこい、と自分で認め、がまんできない、と全力で叫び、幻だと分かったあとも、愛してる、と言い切る。胸の奥に押し込めていたものが、その声に引っぱり出されて、こちらまで叫びたくなる。

抑えてきた熱がある人こそ、イントロを飛ばさずに、この4分40秒を頭から浴びてほしい。

【愉快】×『敵がいなけりゃ』

通信機器の信号のような音が、いきなり飛び込んでくる。

ドラムロールが転がり出し、その上に、号令のようなセリフが響く。ピアノとギターが鳴りはじめたかと思うと、ホーンが一斉に、サビのメロディを高らかに吹き上げる。賑やかで派手な行進曲が、一気に走り出す。

『LOOSE』の9曲目は、3分14秒の短い曲だ。

編曲は、松本孝弘と明石昌夫。7曲目でベースを弾いていた明石が、このアルバムで編曲に加わったのは、この曲だけだ。以後、明石がB’zの編曲に加わった曲は、2000年の『UBU』しかない。

演奏は生のバンドで、ドラムとベースに、ピアノとオルガン、そしてトランペット2本、トロンボーン、サックスの4本のホーンが加わる。短い曲に、音がぎっしり詰まっている。

ライブでは、発売から30年たった今も、一度も演奏されていない。『LOOSE』の中でステージに出たことがないのは、次の『砂の花びら』と、この曲の二つだ。

音楽メディアのMikikiは、2025年の30周年評で、この曲に触れている。1995年のB’zは、シングルを出せば100万枚を超える時期の真ん中にいた。世間の中でのイメージはどんどん肥大化し、巨大な存在になっていた。そのうえで、この曲の歌詞の皮肉は「彼らが置かれた状況と無関係ではないはず」だと書いている。

歌の中で、叩く側の人物は、派手なブームを「ちょうどいい獲物」と呼ぶ。1995年のB’zは、日本でいちばん派手なブームの一つだった。この曲は、獲物にされやすい側にいた二人が、狩る側の口ぶりを借りて書いた歌として聴けるかもしれない。

誰かを叩きたい気持ちを、代わりに叫んでくれる歌

歌の主は、「俺」だ。稲葉浩志は、この曲で、怒ることを商売にしている人物になりきって歌う。

どういう人物かは、この四行で分かる。仕事は、人前で誰かを責めることだ。

怒って、叩いて、それを記事や番組にして売る。反骨精神は「俺のウリ」で、自分は「プロ」だと言う。

客はその反骨に拍手を送り、見返りに金が入る。週刊誌の記者でも、テレビのコメンテーターでも、今ならSNSで持論を売る人でもいい。批判そのものを商品にしている人だ。

そして四行目で、自分から種を明かす。体制に背を向けた「ように見せて」稼いでいる。反骨は、客を集めるためのポーズだ。

若々しいエネルギーに満ちた声が、この歌詞に負けずに、まっすぐ飛んでくる。その声に、エフェクトのかかったもう一つの声が重なって、言葉のエッジがいっそう立つ。

後半の二行に入ると、サウンドが少しずつ広がり、開いていく。それに合わせて、曲のテンションが一段、また一段と上がる。そして、でも！と力強い声が響いて、サビに突入する。

攻撃的な言葉を、力強い声が正面から叩きつける。華やかなホーンと、勢いのあるメロディが、そのメッセージをさらに前へ押し出してくる。

歌われているのは、禁断症状だ。敵がいないと、手がふるえる。だから他人の不幸を探し、どんな奴でも、とりあえず叩く。相手は誰でもいい。

最後の一行の「あのコ」は、叩かれている相手だ。派手に売れている若い誰か、といったところだろう。どんな奴でも叩く、あのコも例外ではない。叩かれたところが、きっと痛くてまいっているはずだ、と想像している。相手の痛みを、叩いた手応えとして確かめている。

サビの終わり、「まいってるはず」のメロディがブルージーに傾く。2番へ向かう間奏では、ピアノがその色を引き継ぐ。行進曲の中に、ブルースの匂いが混じる。

2番で、手口が見えてくる。

でっち上げは、軽いものなら構わない。本当かどうかは、この人物には二の次だ。どこまでが軽いのかを決めるのも、自分だ。

狙うのは、派手なブームだ。「なんか」と見下し、「ちょうどいい」と値踏みする。相手が悪いことをしたから、叩くわけではない。目立っているものほど、叩いたときの拍手が大きい。それだけの理由で、獲物に選ばれる。

叩くときの顔は、せせら笑いだ。1番で「ウリ」だと言っていた怒りは、ここには無い。あるのは、鋭くえぐる腕前と、それを楽しむ笑いだ。客には正義の怒りに見えているものが、本人の中では、遊びになっている。

そして本人が、自分を「血の味にずっと飢えてる兵隊みたい」だと言う。兵隊は、戦いがあって初めて仕事になる。しかも、その飢えは「ずっと」続く。どれだけ叩いても、満たされない。この曲が行進曲の姿をしているのは、この一語のためだろう。

歌の合間にギターのフレーズが差し込まれ、コーラスのシャウトとピアノが加わって、2番は1番より躍動感を増していく。

続くサビでは、敵がいないときの自分を歌う。兵隊みたい、と言った口で、今度はミミズだと言う。手も足もなく、あてもなく、床をのろのろ這うだけ。敵がいなければ、何も「はじまらない」。強さは全部、敵から借りていたものだった。

そして、そんな平和じゃメシの食い上げだ、と言う。誰もが望む平和が、この人物には何よりの困りごとだ。この曲でいちばん鋭い言葉だ。「俺たちゃ」と複数で歌うから、一人の話ではない。同じ商売の、全員の話だろう。

間奏は、ピアノから始まる。「TAK！」の掛け声で、松本孝弘のギターソロが飛び込んでくる。歌詞の攻撃性に負けないアグレッシブなフレーズが駆け抜けて、聴くほうの熱を、さらに上げていく。

最後のサビの直前、演奏が止まる。「だれか」という声だけが、一瞬、宙に響く。

そこから、威勢のよさが崩れる。ここまで威張っていた人物が、誰か、と呼びかけ、お願い、と頼み、俺のカタキになってよ、と泣きつく。

なぜそうなるかも、自分で言う。敵が、この人物の道しるべだ。どこへ向かえばいいかを、決めてくれる。敵を失えば、向かう先も、怒る理由も、拍手も消えて、何も持っていない自分だけが残る。それがつらいから、敵を探す。この人物が叩き続けるのは、敵がいないと立っていられないからだ。

そして、振り絞るようなハスキーな声で、誰でもいい、とつぶやく。敵は、憎い相手でも、正すべき相手でもない。自分を支えてくれるなら、誰でもいい。

そのあと、ブルージーなギターのメロディとピアノが、セッションの終わりのようなライブ感で、曲を締めくくる。行進曲が、ブルースになって終わる。

この歌が最後に見せるのは、叩く側の、空っぽな中身だ。威勢よく誰かを叩いている人ほど、その誰かがいなくなった途端に、立っていられなくなる。陽気な行進曲の下で歌われていたのは、そういう、情けなくて、少し可笑しい人間の姿だ。

この曲は、叩く相手を一度も名指ししない。記者もマスコミも出てこない。叩いて拍手をもらい、それで稼ぐ人なら、誰にでも当てはまる形で書かれている。だから発売から30年たって、SNSの時代に読み替えるファンが増えている。

『敵がいなけりゃ』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、誰かを叩きたい気持ちを、胸の奥に押し込めている人だ。

『敵がいなけりゃ』は、その気持ちを、悪役の口を借りて叫んでくれる。若々しい声が叩きつけ、ホーンが囃し立て、行進曲のビートが背中を押す。「TAK！」の一声からのギターソロまで、勢いは一度も落ちない。

言葉は情けない。音は最高に気持ちいい。だから、悪役のセリフを、思いきり歌える。歌い終わるころには、胸の奥が少し軽い。

ライブで一度も鳴ったことのない曲だ。会えるのは、アルバムの中だけだ。

誰かを叩きたくなった日は、悪役になりきって、3分14秒でストレスを発散してほしい。

【もどかしい】×『砂の花びら』

乾いた、金属の弦が震えるようなアルペジオが、静かに鳴りはじめる。シタールだろうか。その響きが、ひと弾きごとに、アラビアンな異国の空気を運んでくる。

その上を、ベースがメロディを描くように動き、キーボードがうしろから雰囲気を盛り上げていく。やがてドラムが力強くリズムを刻み、切れ味のあるエレキギターのサウンドが、リフを重ねてくる。

アルペジオだけだった静けさに、バンドの推進力が加わって、曲が前へ動き出す。乾いた響きはそのままに、熱だけが上がっていく。

『LOOSE』の10曲目は、3分41秒。編曲は、松本孝弘と稲葉浩志の二人だ。

ライブでは、前の『敵がいなけりゃ』と同じく、一度も演奏されたことがない。アルバムの中でだけ鳴っている曲だ。

歌い出しで、主人公は「honey」と恋人に呼びかける。2番では、よく似た響きの「money」が顔を出す。

恋しい人への想いに、いつのまにか欲が混じる。主人公は、自分が本当は何を求めているのかも分からないまま、深みへ引きずられていく。

手に入らないものほど欲しくなる、あの渇き

honey、と、稲葉浩志の色気のある声が飛び込んでくる。

同情を引いて、近づこうとする。相手の気まぐれに一喜一憂しながら、自分からは一歩も踏み込めない。この恋の主導権は、最初から相手の手の中にある。

愛情を「ご褒美」と呼ぶところに、この男の甘えが出ている。情けない。けれど、その情けなさに覚えのない人は、たぶんいない。

後半の二行に入ると、声に少しずつ熱がこもり、相手の魅力が、目の前に浮かび上がってくる。

サビの直前、演奏が引いて、あの異国のアルペジオだけが鳴る。バスドラムが、ドン、と重い一発を打つ。それを合図に、伸びのある、枯れた、力強い声が迫ってくる。

いでよ、と呼ぶ。砂漠で何かを呼び出すような、古い言い方だ。どこかオリエンタルな響きのメロディに乗って、歌詞の景色が鮮やかに広がっていく。

呼び出すのは、光る砂の花びら。砂でできた花は、眺めているうちは美しい。けれど、いじくれば、こなごなに崩れ落ちる。

咲いてみせておくれ、と頼んだすぐあとで、男は、崩れる結末を自分で口にしている。触れたら壊れると、本人はちゃんと分かっている。分かっていて、それでも、この手で咲かせてみたい。

欲しがるほど、遠ざかる。手に入れようとした瞬間に、壊れる。そんな砂の花びらを、追いかけたことのない人はいないだろう。

2番に入ると、歌の景色が一変する。

1番では、恋しい人の気まぐれに振り回されていた。2番では、男を振り回すものに、金と欲が加わっている。

気づいたときには、もう裸同然だ。見栄も余裕も剥がされて、誰かの思うままに踊らされている。自分では止められず、夜が明けても宴は終わらない。「続くのです」の妙に丁寧な言い方に、もう抜け出せない、という諦めがにじむ。

枯れた声が、この景色に、生々しい手触りを与える。サビへ向かうにつれて、コーラスが少しずつ重なっていく。止まることのない欲に蝕まれ、いつまでも満たされない「穴だらけの心」。そう歌う声を、そのコーラスがそっと包み込む。

2番のサビが終わると、演奏がふっと落ちる。鳴っているのは、冒頭のアルペジオと、泣きの余白をたっぷり取ったギターだけだ。そこへベースが重なり、ドラムが徐々に力を増し、ピアノが流れるように差し込まれる。

そして、ギターが歌いはじめる。一音を長く伸ばし、チョーキングで音をじわりと持ち上げて、言葉にならない焦がれを、そのまま音にしていく。弾きすぎない。音と音のあいだの余白まで、泣いているように聴こえる。

最後のサビは、逃げないでよ、と始まる。痛みを伴うような迫力の声が、聴くほうの胸を、ぐっとつかむ。

ここで、男と花びらの立場が入れ替わる。はじめは「いでよ」と呼び出す側だった男が、いまはすがりつき、どこまででも引きずられていこうとしている。

崩れると分かっていたはずのものに、とうとう自分から身を任せてしまう。

太陽に焦がされ、熱にうなされながら、男は「誰か」を忘れ、「何か」を失くしていく。それが誰なのか、何なのか、歌詞ははっきり書かない。熱に浮かされた頭では、自分が何を失っているのかさえ、もう分からないのだろう。

その答えが、最後の英語の一行だ。I’m losing you。君を、失っていく。忘れかけていた「誰か」は、歌い出しで honey と呼びかけた、あの人だった。

追いかければ追いかけるほど、あの人はどこまでも遠ざかっていく。

ふたたび、アルペジオだけが残る。熱に焼かれきったような、ハスキーで色気のある声が、I’m losing you、とゆっくり歌う。弦をスライドさせたオリエンタルな響きに包まれて、曲は静かに終わる。

『砂の花びら』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、手に入らない人を、それでも追いかけてしまう人だ。

『砂の花びら』は、乾いた異国のアルペジオと、枯れて色気のある声で、その渇きを歌う。

振り回され、欲に溺れ、大切な人まで失っていく。それでも、この男を責める気にはなれない。泣きの余白を残したギターも、熱に焼かれた最後の声も、男の弱さを、隠さず、まっすぐに鳴らしている。

欲しがるほど遠ざかるものを追いかけている夜は、灯りを落として、この曲に耳を傾けてほしい。

【落ち着かない】×『キレイな愛じゃなくても』

ベースが、弦をなぞるような一音を鳴らす。それを合図に、穏やかなイントロが静かに始まる。

ギターのフレーズが、夜空をすべり落ちていく光のように鳴る。高いところからすうっと下りてきて、最後の音が、ふっと余韻を残す。

その光を包むように、ピアノが優しく鳴っている。ベースは最小限の音で、サウンドにそっと重みを与える。ドラムは、ときおりタムでアクセントを打つだけだ。

『LOOSE』の11曲目は、4分04秒のバラード。編曲は、松本孝弘と稲葉浩志に、池田大介が加わった三人だ。

ギターの重ね録りには時間がかけられ、歌の後ろで鳴る伴奏のギターだけを、何度も録り直したという（『music freak magazine & Es Flash Back B’z XXV Memories I』エムアールエム、2013年）。

シングルにはなっていない。ベスト盤にも、バラードを集めたアルバムにも、一度も選ばれたことがない。ファンの間では、長く「隠れた名曲」と呼ばれてきた。

2021年、B’zが全曲のサブスク配信を始めたとき、松本孝弘と稲葉浩志は、それぞれ自分で選んだB’zの曲を、Spotifyのプレイリストにして公開した。稲葉浩志のプレイリスト「Relaxing B’z」で、1曲目に置かれたのが、この曲だ。

歌の中で、題名の言葉は「いいからもう君が欲しい」と続く。キレイな愛でなくてもいい。正しい恋かどうかも、人にどう見られるかも、もう構わない。

そう思えてしまうほど誰かを求める心の揺れを、この曲は、最後の一音まで描いていく。

君が欲しい夜に、迷いを焼き尽くしてくれる

歌い出しは、キスをした夜だ。その空を、星がひとつ滑り落ちる。

イントロでギターが描いていた光は、この星だったのかもしれない。

鳴っているのは、ほとんどピアノだけだ。感情のこもった稲葉浩志の声が、その情景をくっきりと浮かび上がらせ、歌の合間を縫うように、ギターのアルペジオが彩りを添えていく。

そのあと、男は一人で夜の町を歩く。町の灯りが、いつもよりまぶしく輝いて見える。気づけば、口笛をふいている。うれしさが、胸の中に収まりきらない。

けれど、さっきキスをした君は、もう隣にいない。口笛の音だけが、通りに響いている。

燃えるよな波のざわめきよ、と歌う声が、長く伸びていく。その声に、少しずつ熱がこもる。

ここで、ドラムがはじめて力強くリズムを刻む。ピアノだけだった静けさに、鼓動のようなビートが加わり、曲の温度が、じわじわと上がっていく。

歌の景色は、夜の町から、胸の中の燃えるような波へと移っていく。その波がいちばん高くなったところで、サビが始まる。

サビに入ると、エレキギターのディストーションが加わり、音がぐっと厚みを増す。稲葉浩志の声は張り裂けるように高まり、そのうしろで、ストリングスが壮大に広がっていく。

胸の中で波立っていた想いが、ここで一気にあふれ出し、聴く者の心に刻み込まれていく。

「いいから」は、何かを振り払うときの言葉だ。キレイな愛かどうか、正しいかどうか。そうした問いを、男はもう考えない。「もう」の一語には、こらえきれなくなった想いがにじむ。

目と目が合ったら、迷うことはない。考えるより先に、答えが出ている。

続く英語の一行は、僕には何もない、僕は何者でもない、という告白だ。胸を張れるものを何ひとつ持たない男が、それでも、君が欲しいと言う。

そして、何か違うかい…と問いかける。

誰に向けた問いなのかは、歌われない。君にか、世間にか、それとも自分自身にか。迷うことはない、と言い切ったすぐあとなのに、語尾は「…」で弱く消えていく。強がりの奥に、迷いがのぞく。

その最後の音は、すとんと着地しない。コードはサビの頭と同じところへ戻ってくるが、そこに maj9（メジャー・ナインス）の響きが重ねられる。明るいのに、どこか切なく揺らぐ音だ。

その和音の上で、稲葉浩志の声が、最後の一音を長く伸ばす。問いかけは答えを受け取れないまま、ふわりと宙に浮いていく。行き場のない想いが、メロディと歌声になって、そのまま鳴っている。

2番に入ると、ドラムは頭からリズムを刻み、ピアノの響きも一段と強くなる。1番よりも高い温度から、歌が始まる。

最初の二行に並ぶのは、恋についての「正解」だ。

激しい恋で手に入るものは、「日持ちの悪いミルク」にたとえられる。

ミルクは甘くて、やさしい。けれど、冷蔵庫に入れておいても、数日で傷んでしまう。一度傷んだら、もう元には戻らない。

燃え上がるような恋も、同じだという。手にした瞬間は、たまらなく甘い。その甘さが、長くはもたない。

このたとえには、ロマンチックな飾りがひとつもない。夢中になるほどの恋を、台所のありふれた飲み物で言い表している。熱に浮かされた心を、一気に現実へ引き戻すような言葉だ。

二行目は、相手を全部欲しがるのは、パーフェクトな愛じゃない、と続く。そう「本には書いてる」。

男は、そのどちらも、ちゃんと分かっている。激しい恋がすぐに傷むことも、相手を丸ごと欲しがる気持ちが、正しい愛とは呼ばれないことも。

分かっているのに、止まれない。サビであれほど「君が欲しい」と歌った男が、ここでは、自分の想いに水を差すような言葉を並べている。欲しい気持ちと、それを戒める言葉が、胸の中でぶつかり合う。

そのすぐあとに、空を舞う鳥を撃たないで、と頼む。その鳥は、舞い上がった男の気持ちだろう。本に書いてある正しさで、それを撃ち落とさないでくれ、と聞こえる。

2番のサビで、男は自分を「悟りを開けない」人間だと言う。

悟りとは、欲や執着から解き放たれた心のことだ。正解を知っていても、そこへはたどり着けない。いくつになっても、君を求める気持ちを手放せない。

英語の一行のあとには、「傷はふえるよ…」と続く。このまま進めば、傷は増えていく。その痛みを、男はもう覚悟している。

2番のサビが終わると、言葉にしきれない想いを引き継ぐように、松本孝弘のギターが鳴り響く。

そのメロディは、きれいに整えられていない。どこか荒々しく、チョーキングを多用して、音を揺らしながら引き上げていく。揺れる心の動きを、そのまま描いているように聴こえる。キレイでなくていい、と歌う曲にふさわしい、整えすぎないソロだ。

ギターの音が伸びきったところで、稲葉浩志の熱い歌声が飛び込んでくる。ギターから歌へ、想いを手渡すようなこの流れは、最高にB’zらしい。

最後のサビは、さらに熱を増していく。強く思えば、君は僕の中で、海のように広がる。1番で胸を騒がせていた「波」が、ここでは「海」になっている。そして男は、さあ、飲み込んでくれ、と身を投げ出す。

ここで、題名の言葉が形を変える。「キレイな愛じゃなくても」と歌われてきた一行が、最後に「キレイな愛は綺麗なの？」という問いになる。

カタカナの「キレイ」と、漢字の「綺麗」。同じ言葉が、この一行の中で書き分けられている。

カタカナの「キレイ」は、題名から続いてきた言葉だ。本に書いてあるような、正しくて、パーフェクトな愛。人に見せても恥ずかしくない、整った愛のことだろう。

漢字の「綺麗」は、見た目よりも、もっと深いところにある美しさとして読める。

キレイではない自分の愛を、男はもう恥じていない。むしろ、正しくて整って見える愛のほうに、問いを向けている。それは、本当に美しいのか、と。

今しかないから、今行こう。誰の言葉も、くだらないし、いらない。2番で並べた本の正解も、男はまとめて手放す。

英語の一行のあと、1番では「何か違うかい…」、2番では「傷はふえるよ…」と続いた言葉が、最後は「何も怖いことない」に変わる。

何も持っていないからこそ、差し出せるものは、この想いひとつしかない。僕には何もない、という告白は、君へまっすぐ向かうための強さになる。

何も怖いことない、という声は、張り上げられることなく、静かに響く。もう、叫んで自分を奮い立たせる必要はない。その一言は、穏やかな決意として、そっと宙に置かれる。

最後の響きも、答えを決めつけないまま、やわらかく空気に溶けていく。曲は、その余韻の中で幕を閉じる。

このあと、ふたりがどうなったのかは、歌われない。ただ、君のもとへ歩き出した男の背中が、あの夜の星明かりの中へ、ゆっくりと遠ざかっていく。

『キレイな愛じゃなくても』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、正しい答えを知っていながら、それでも誰かを求めてしまう人だ。

『キレイな愛じゃなくても』は、その想いを、張り裂けるような声と、荒々しく揺れるギターで歌い上げる。

本に書いてある正解も、誰かの忠告も、この曲の中では届かない。キレイかどうかより、今、君が欲しい。その想いを、最後の「何も怖いことない」まで、ごまかさずに歌いきる。

理屈では止められない想いを抱えた夜に、この曲を聴いてほしい。

【疲れている】×『BIG』

アコースティックギターが、ゆったりとアルペジオを鳴らしはじめる。カントリー・ブルースのような素朴な響きに、埃っぽい田舎町と、町はずれの小さな酒場が浮かんでくる。

『LOOSE』の12曲目は、2分53秒。アルバム本編でいちばん短い曲だ。編曲は、松本孝弘と稲葉浩志の二人。

アコースティックギターと打ち込みだけで作られた曲で、アメリカン・ロック調など、いくつかのアレンジも試されていたという（『music freak magazine & Es Flash Back B’z XXV Memories I』エムアールエム、2013年）。

ライブでは、1996年のツアーのあと、長く演奏されなかった。2023年の『B’z LIVE-GYM Pleasure 2023 -STARS-』のスタジアムとドームの公演で、約27年ぶりに披露されている。ステージの端にバーカウンターが現れ、二人はハイチェアに腰かけて、この曲を始めた。

歌われるのは、仕事に追われる男の、ある夜のぼやきだ。酒場のカウンターでグラスを傾けながら、明日はもっとビッグになるんだと、自分に言い聞かせる。その小さな声を、この曲は飾らずに鳴らしていく。

疲れて情けない夜に、一緒にぼやいて強がってくれる

稲葉浩志が、ゆっくりと歌いはじめる。

どこからかお酒の匂いが漂ってきそうな、少し気だるい歌声だ。

夜も更けた、小さな酒場。薄暗いカウンターの隅で、ネクタイをゆるめた男が、グラスを片手にとぐろを巻いている。

誰に聞かせるでもない独り言が、ぽつりぽつりとこぼれていく。そんな姿が、歌声の向こうに浮かび上がってくる。

鳴っているのは、アコースティックギターと歌声だけだ。ドラムもベースも、まだ入ってこない。

音が少ないぶん、言葉のひとつひとつが、はっきりと耳に届く。歌声の息づかいまで、すぐそばで聴こえてくる。まるで、カウンターの隣の席で、男のつぶやきを聞いているようだ。飾りのない音だからこそ、歌詞の描く世界が、くっきりと見えてくる。

「勢いだけで」の一言に、男の毎日が詰まっている。先のことを考える余裕もなく、目の前の仕事を、気合いひとつでこなしてきたのだろう。気づけば、疲れも溜まっている。

毎晩、人であふれる街で唄う。仕事を終えると、にぎやかな夜の中で声を張り上げる。毎日がそれなりに忙しく、それなりに騒がしい。

けれど、その騒がしさがふと途切れたとき、男は自分に問いかける。この胸の中に、何があるのか。

がむしゃらに働き、夜は飲んで、一日が終わっていく。その繰り返しの中で、自分が何のために走っているのか、何を大事にしたいのかが、見えなくなっている。問いかけのあとに、答えは続かない。

この胸の中に何がある、とゆっくり歌い終えると、ギターの弾き方が変わる。

一本ずつ弦をつま弾いていたアルペジオが、すべての弦をまとめてかき鳴らすストロークになる。ジャカジャカと刻まれるリズムが、静かだった空気を揺らしはじめる。

グラスのぶつかる音や、客の笑い声まで聞こえてきそうだ。酒場のざわめきが、ぐっと近くなる。

カウンターでは、ジョッキを片手におじさんが騒いでいる。なんだか知らないが、「オリャ百万賭けるぜ」と息巻いている。

ここで、シンセのやわらかな音が、ギターのうしろからふわりと浮かび上がってくる。

主張しすぎない、淡い響きだ。薄暗い酒場に、ひとつ、またひとつと小さな灯りがともっていくように、男と、その目の前の景色を、そっと照らしていく。

軽やかに刻まれるギターのストロークに、その音が重なって、曲の空気が、少しだけあたたかくなる。

休みの「暇」と、仕事の「暇なし」。軽い言葉遊びのようでいて、そこには、仕事に振り回される男の暮らしが、そのまま映っている。

毎日は、仕事を中心に回っている。それがなくなったら、何をすればいいのか分からない。さっき自分に問いかけた「この胸の中に何がある」の答えのなさが、ここで少しはっきりしてくる。

ほら、また、マスターとママが喧嘩を始める。「また」の一語で、男がこの店の常連で、この光景を何度も見てきたことが分かる。騒がしいけれど、どこか落ち着く。そんな居場所なのだろう。

サビに入ると、ベースが加わる。足もとから響くその低い音が、男の言葉に、積み重なった日々の重みを、ずしりと乗せていく。

こんなことで、こんなとこで。小さな悩みを振り払うように、男は自分に言い聞かせる。俺は、もっとビッグにならなきゃいけない男なんだ、と。

胸を張ったような言葉の裏に、くたびれた本音が透けて見える。それでも口に出して、自分を奮い立たせる。

その大きな言葉は、カウンターのおじさんの「百万賭けるぜ」と、どこか似ている。酒場のカウンターでは、誰もが少しだけ大きなことを言う。

2番に入ると、深いため息とともに、ドラムがリズムを刻みはじめる。スネアをカツカツと鳴らすだけの、最小限のリズムだ。

ここで明かされるのは、恋人の裏切りだ。合い鍵を渡した自分の部屋に、恋人が男を連れ込んでいた。

男の口からこぼれるのは、後悔の言葉だ。スペアキーなんて、作るんじゃなかった。信じて渡した鍵が、自分を傷つけるものに変わってしまった。ロマンチックな響きは、ガラガラガラと音を立てて崩れる。信じていたものが、一瞬で壊れていく。

どうして、俺の部屋に。その問いに、答えてくれる人はいない。稲葉浩志の歌声が、やり場のない痛みを、生々しく描いていく。

最後のサビの前に、シンバルがシャン、と一度だけ鳴る。

俺は、何をわめいている。ふと我に返った男の口から、チキショー、と小さな囁きがこぼれる。飲み込みきれない悔しさが、そこににじむ。

稲葉浩志の歌声は、ふらりと揺れている。声を張り上げることもなく、グラスを握ったまま、自分の胸に向かって一語ずつ確かめるように歌う。

前向きな言葉を口にしながら、まだ半分は、自分でも信じきれていない。お酒の力を借りて、なんとか声にしている。

その危うさがあるからこそ、聴く者は、いつのまにか男の隣の席に座っている。

目指すのは、今日より少しだけ大きな、明日の自分だ。何になりたいのか、どうすればいいのか、具体的なことは何も出てこない。それでも「絶対に」と言い切る。その漠然とした前向きさが、かえってリアルに響く。

最後は、そのまま寝落ちしてしまいそうな声で、絶対にビッグ、と囁く。ギターがストロークをかき鳴らし、曲はそこで潔く終わる。

閉店の時間に、店の灯りがぱちりと落とされるように。

『BIG』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、うまくいかない一日の終わりに、自分で自分を励ますしかない夜を知っている人だ。

『BIG』は、酒場のカウンターのぼやきを、素朴なアコースティックギターと、気だるい歌声で鳴らす。

立派な目標は、ひとつも出てこない。それでも男は、明日の俺は今日よりもビッグ、と言う。

根拠もなければ、計画もない。お酒の勢いを借りた、半分は強がりのような一言だ。けれど、人は案外、そんなささやかな言葉に背中を押されて、明日もまた出かけていける。

くたびれた夜は、グラスを片手に、この曲を聴いてほしい。

【触発された】×『drive to MY WORLD』

どこか哀愁のにじむ、ロックなギターリフが鳴り響く。オルガンが重なり、ドラムとベースが加わって、音は少しずつ熱を帯びていく。

胸の奥でくすぶっていた何かに、火がともっていくように。

『LOOSE』の最後を飾る13曲目は、4分09秒。編曲は、松本孝弘と稲葉浩志の二人だ。

この曲も、アルバムの下ごしらえのために滞在していた、1995年のハワイで生まれた（『Treasure : B’z Chronicle 1988〜1998』ROOMS RECORDS、1998年）。

ライブで演奏されたのは、1996年のツアーだけだ。すべての公演で、序盤の4曲目に置かれていた。それから、およそ30年。一度も、ステージで鳴っていない。

歌われるのは、悲しいことがあっても、ただじっと耐えてきた男だ。気づけば、毎日は小さくまとまり、どこか窮屈になっていた。

そんな男が、ある日、ふと車に乗り込む。行き先は、まだ決めていない。けれど、その先には、見たことのない景色が広がっている。

ささやかな寄り道かもしれない。それでも、自分の手で毎日を変えようとする、確かな決断だ。その決断を、この曲は力強いバンドサウンドで、最後まで後押ししていく。

こらえるだけの毎日とは違う方向へ、ハンドルを切る勇気をくれるロックナンバー

ドラムのフィルが、出発の合図のように打ち鳴らされる。重みのあるリズムがゆっくりと転がりはじめ、その上を、稲葉浩志の歌声がまっすぐに進んでいく。

歌い出しは、ドライヴへの誘いだ。向かうのは、知らない世界。決められた道ばかりをなぞってきた男が、地図を手放す。

最初にすることは、家へ向かう角を、反対に曲がること。遠い国へ旅立つわけではない。いつもの帰り道を、一本外れる。旅は、そんな小さな一歩から始まる。

出発点は、誰もが立ち寄る、ありふれた店先だ。車はにぎやかな街の灯りを背にして、人の気配のない、静かな場所へと分け入っていく。

バックミラーの中で見慣れた明かりが小さくなるにつれて、男をしばりつけていた毎日も、少しずつ遠のく。

地面をしっかりと踏みしめるようなミドルテンポだからこそ、窓の外を流れていく景色が、ひとつひとつ、くっきりと目に浮かぶ。

日が暮れて、あたりは暗くなっていく。車の中は、たったひとり。ふつうなら、心細くなってもおかしくない。

それでも男は、さみしくない、と歌う。やっと動き出したこの気持ちが続くかぎり、ひとりでも平気だ、と。

本当にさみしかったのは、悲しいことにじっと耐えていた、あの頃のほうなのかもしれない。

道も続く。そう歌い終えるやいなや、曲はギアを一段上げる。ためこんできた思いを一気に解き放つように、バンドの音と歌声が、サビへとなだれこんでいく。

サウンドも歌声も、ためらいなく振り切れる。それでいて、響きはマイナー調のまま、ほのかな陰りを残している。

突き抜けるような熱さと、消えない陰り。その二つが重なって、地に足のついた決意が伝わってくる。現実の重さを知ったうえで、それでもアクセルを踏み込む。

松本孝弘のギターが、力強い鼓動のようにリズムを刻み、サビを前へ前へと押し出していく。飾り気のないシンプルなバンドサウンドだからこそ、その決意が、嘘のない音で響いてくる。

止まらないで、どうぞこのまま。フロントガラスの向こうへ、男は声を振りしぼる。

ここで止まれば、また元の暮らしに引き戻されてしまうかもしれない。走り出した車にも、弾みはじめた自分の心にも、「どうぞ」と、ありったけの願いを込める。

道の先に広がっていくのは、誰にも立ち入らせない、自分だけの世界。いちばん大切な人にさえ、ここだけは譲れない。ようやく見つけたこの場所こそが、MY WORLDだ。

そして、サビの最後に男が別れを告げるのは、これまでの自分だ。悲しい毎日を、うつむいてやり過ごしてきた自分。その姿に向かって、軽く手を振る。

長い別れの言葉はいらない。「バイバイ」のひと言で、十分だ。

2番に入っても、車は止まらない。

手もとにある勇気は、ポケットの小銭くらいの、ほんのわずかなものだ。男は、それを残らず使い切って、あえて回り道を選ぶ。

いつか感じたことのある、わくわくするような高揚。長いあいだ眠らせていたその感覚は、消えてはいなかった。体の奥から、熱いものがこみ上げてくる。

この場所では、新しい言葉が生まれてくる。

これまでの男は、言いたいことがあっても、ぐっと飲み込んできたのだろう。けれど、誰にも気がねのいらない車の中では、心に浮かんだ思いが、そのまま口をついて出る。

初めて目にする景色が、しまい込んでいた本音を、次々と引き出していく。

知らない道へ車を走らせる姿は、周りから見れば、現実から逃げているように映るかもしれない。けれど、男はきっぱりと言う。現実を馬鹿にするつもりはない、と。

男が求めているのは、本当のことに、この手でじかに触れていられる実感。ただ、それだけだ。

2番のサビが終わると、歌声に代わって、松本孝弘のギターソロが飛び出してくる。

言葉にしきれない気持ちを、今度はギターが歌いはじめる。感情をむき出しにしたフレーズが、夜の道を走る男の高ぶりを、そのまま映し出していく。

ブリッジパートに入っても、曲の勢いは少しも衰えない。

人の群れに混じって、同じ方向へ流されていく必要はない。かといって、わざと背を向けて、ひとりを気取ることもない。誰かに合わせることも、誰かを避けることもやめたとき、男の視界が、すっと開けていく。

見わたすかぎりのものが、自分の味方をしてくれているかのように、きらきらと光りはじめる。

稲葉浩志の歌声は、ハスキーにかすれながら、熱を増していく。歌詞にはないシャウトが夜の空気を切り裂き、曲はラストスパートへと突き進む。

最後のサビに入ると、男の目は、ふと周りへ向けられる。

鍵を握りしめて、何かを探し続けているのは、自分だけではない。誰もが、自分の扉を開ける手がかりを求めている。

ひとりで走り出したこの道の先にも、同じように、どこかを目指している人がいる。そう思えるだけで、車の中が、少しだけあたたかくなる。

ドラムは一打ごとにずしりと重く、ギターはそれに負けじと唸りを上げる。その音に乗って、稲葉浩志が切なさをたたえた旋律を、力いっぱい歌い上げる。

速さに頼らず、ミドルテンポのまま、これだけの迫力を生み出してしまう。まさに、B’zらしい最高のロックナンバーだ。

そして男は、もう一度「バイバイ」と言う。

一度目に手を振った相手は、うつむいていた自分だった。二度目の相手は、もっと大きい。いつのまにか小さくまとまっていた、身のまわりの世界そのものだ。

心の奥には、まだ怯えが残っている。男は、その怯えから目をそらさずに、にらみ返す。今度は、はっきりと手を振る。

アウトロでは、松本孝弘のギターが、メロディなどおかまいなしに、荒々しく弾けまわる。その音は鳴りやまないまま、少しずつ遠ざかっていく。

走り去る男の背中も、音の彼方へ、ゆっくりと消えていく。

『LOOSE』は、この「バイバイ」で幕を閉じる。

『drive to MY WORLD』レビューまとめ

この曲が深く響くのは、悲しいだけの毎日を、じっとこらえてきた人だ。

『drive to MY WORLD』は、その毎日から抜け出す、小さな一歩を鳴らす曲だ。

哀愁のにじむギターリフに、オルガン、ドラム、ベースが重なって、ミドルテンポのバンドサウンドが動き出す。サビで音も歌声も全開になっても、響きはマイナー調のまま。はやる気持ちと、消えない陰り。その両方を抱えたまま、重たいリズムで、確かめるように前へ進んでいく。

聴き終えるころには、自分もハンドルを握って、どこかへ走り出したくなっている。

遠くへ行かなくていい。立派な行き先もいらない。いつもの帰り道を、反対に曲がるだけでいい。

ちっちゃくまとまった毎日に、ほんの少し息苦しさを感じたら、いつもの帰り道で、この曲をかけてほしい。

このアルバムを通して感じたこと

頑張りすぎた日ほど、このアルバムに手が伸びる。

3枚のシングルが、すべて100万枚を超えた1995年。その頂点で、稲葉さんは終電の手すりや酒場のぼやきを書き、松本さんは飾らないギターを鳴らした。

「LOOSE」は、聴く人に向けた言葉であると同時に、2人が自分たちにかけた言葉でもあったのかもしれない。

個人的に、いちばん聴き込んだのは『BAD COMMUNICATION (000-18)』だ。乾いたギターと、枯れた稲葉さんの声。聴いているだけで、自分が少し大人になれた気がした。

いまは、その日の気分で、聴きたい曲を選ぶ。

ちゃんとできない日があってもいい。聴き方だって、少しルーズでいい。

※本記事において引用している歌詞は、すべて松本孝弘/稲葉浩志によるB’zのアルバム『LOOSE』に収録された楽曲からの一部抜粋です。著作権は各著作権者に帰属しており、当サイトは正当な引用のもとでこれを掲載しています。著作権に配慮して歌詞全文の掲載は行っておりません。